Знаменитые творения бетховена

Симфония № 5, ор. 67, 1808 год

Это знаменитое произведение стало невероятно популярным уже в первый год его выпуска. В австрийской столице была проведена его презентация. Там Симфония №5 вызвала очень много эмоций. Ее назвали выдающейся. Эрнст Гофман, композитор посчитал ее одной из самых значимых.

У композиции интересная история. Первые наработки композитор сделал в 1804 году. Но ему пришлось отложить работу. Он одновременно писал несколько произведений, в том числе и сонату №6. Но в это же время у гения начались проблемы со здоровьем. Он терял слух. В стране происходили не самые лучшие изменения, связанные с оккупацией войсками Наполеона. Все это привело к тому, что над сонатой композитор трудился около 4 лет.

Произведения Бетховена

В произведениях последнего периода имитационная полифония фигурирует как составной элемент разработок (фортепьянная соната № 28), как начальная или заключительная часть цикла (фортепьянные сонаты № 29, 31, квартет № 14). Большое значение приобретает контрастная (неимитационная) полифония. Так, в Allegretto из 7-й симфонии тема и контрапункт образуют мелодическое «двуединство», обладающее совершенно особой, глубоко проникновенной экспрессией.

Богатый материал для изучения творческого метода Бетховена дают наброски и эскизы, которые сохранились в его музейном архиве (св. 7500 листов). Большой биографический интерес представляют т. н. разговорные тетради, которыми Бетховен пользовался для ведения бесед с момента наступления полной глухоты (1818). Наследие Бетховена изучали русские музыканты; упоминания о его произведениях часто встречаются в русской классической литературе и литературной критике.

Из истории симфонии

Создателем классической формы симфонии и оркестровки считается Гайдн.

Й. Гайдн

А прототипом симфонии является итальянская увертюра (инструментальная оркестровая пьеса, исполняемая перед началом какого-либо представления: оперы, балета), сложившаяся в конце XVII в. Значительный вклад в развитие симфонии внесли Моцарт и Бетховен. Этих трёх композиторов называют «венскими классиками». Венские классики создали высокий тип инструментальной музыки, в котором все богатство образного содержания воплощено в совершенную художественную форму. С этим временем совпал и процесс становления симфонического оркестра – его постоянного состава, оркестровых групп.

В.А. Моцарт

Моцарт писал во всех существовавших в его эпоху формах и жанрах, особое значение придавал опере, но большое внимание уделял и симфонической музыке. Благодаря тому, что на протяжении своей жизни он работал параллельно над операми и симфониями, его инструментальная музыка отличается певучестью оперной арии и драматической конфликтностью

Моцарт создал более 50 симфоний. Наиболее популярными стали три последние симфонии — № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»).

К. Шлоссер “Бетховен за работой”

Бетховен создал 9 симфоний, но в смысле развития симфонической формы и оркестровки он может быть назван крупнейшим композитором-симфонистом классического периода. В его Девятой симфонии, самой известной, слиты сквозной темой в одно целое все её части. В этой симфонии Бетховен ввёл вокальные партии, после чего это стали делать и другие композиторы. В форме симфонии сказал новое слово Р. Шуман.

Но уже во второй половине XIX в. строгие формы симфонии начали изменяться. Необязательной стала четырёхчастность: появилась одночастная симфония (Мясковский, Борис Чайковский), симфония из 11 частей (Шостакович) и даже из 24 частей (Хованесс). Классический финал в быстром темпе был потеснён медленным финалом (Шестая симфония П.И. Чайковского, Третья и Девятая симфонии Малера).

Авторами симфоний были Ф. Шуберт, Ф. Мендельсон, И. Брамс, А. Дворжак, А. Брукнер, Г. Малер,  Ян Сибелиус, А. Веберн, А. Рубинштейн, П. Чайковский, А. Бородин, Н. Римский-Корсаков, Н. Мясковский, А. Скрябин, С. Прокофьев, Д. Шостакович и др.

Сибелиус – Симфония № 7

Мариус Стравинский, дирижер

Это последнее крупное произведение, созданное Сибелиусом. Он прожил еще 20 лет или около того, но музыка больше не рождалась из-под его пера.

Мариус Стравинский. Фото – paolodalprato.com

Исследователи до сих пор ищут ответ на вопрос почему именно после этой симфонии композитор не написал больше ни одной ноты. Выходя к публике с этой партитурой, я также пытаюсь разгадать эту тайну.

Седьмая симфония необычна по форме и продолжительности: она одночастная и в общей сложности звучит порядка 20 минут. Это еще одна трудность, с которой сталкиваются дирижеры, и которая нуждается в серьезном анализе.

Однако в плане композиторского языка, настроения и образного наполнения в ней – все тот же Сибелиус, чья связь с природой Финляндии неразрывна. Здесь мы вновь встречаем его диссонансы, волновые нарастания, кульминации. Фантастически красивый финал заканчивается в чистом до-мажоре.

Для меня одним из самых убедительных исполнений Седьмой симфонии является версия Лорина Маазеля с Венскими филармониками (выпущена на Decca в 1966 году).

Ян Смбелиус, Симфония №7 до мажор. Венский филармонический оркестр, дирижер Лорин Маазель:

Шуберт – Симфония № 9

Антон Сафронов, композитор

Самая моя любимая из симфоний – Большая симфония Шуберта до мажор.

Мне она особенно дорога тем, как в ней сменяют друг друга самые разные, порой совершенно противоположные настроения, доходя до острейших столкновений между собой.

Антон Сафонов. Фото – facebook.com/mosfilarmonia

Вся симфония построена на одной музыкальной идее – и из нее вытекают все основные события. Они разворачиваются неторопливо и переживаются, как сама жизнь – с ее парадоксальностью, мощными ликующими кульминациями и трагическими срывами.

Это первая в мировой музыке симфония, столь протяженная и эпическая по ощущению времени. Если играть ее в тех темпах, которые указал композитор, и выполнять все предписанные им повторы, то она должна звучать немногим больше часа.

Необычно и ново уже само ее начало: одна-единственная мелодия у солирующих валторн подчеркнуто архаического склада. Настоящее откровение – вторая часть, фаталистическая и щемяще-ностальгическая, с отчаянной трагической кульминацией. В следующих двух частях – скерцо и финале – раскрываются стихии венского вальса и марша, доходя до вселенского масштаба. Заключительный эпизод (кода) финала – самое захватывающее и любимое мое место в симфонии! – звучит как напряженное “взятие барьера за барьером”, всякий раз приводящее ко все большему и большему ликованию.

Я люблю исполнения Большой симфонии Шуберта как “традиционалистами”, так и “аутентистами”. Из первых мои любимые дирижеры – Гюнтер Ванд и Сержу Челибидаке. У Ванда – небывалая по совершенству работа над звуком, благородство и теплота, которой так не хватает многим исполнителям “новой” школы.

У Челибидаке – сильнейшее эпическое прочтение, потрясающая мощь кульминационных волн. У “аутентистов” прозрачнее (и потому богаче) звучит партитура. Кроме того, они опираются на новые уртекстные издания, в которых исправлены многие неточности. Очень люблю Николауса Арнонкура – его запись 1990-х годов с амстердамским Королевским оркестром Консертгебау. Одно время я был просто без ума от Роджера Норрингтона – его исполнения с London Classical Players, очень сильного по энергетике темпов и “аналитичного” по трактовке материала.

Но сейчас меня больше убеждает Марк Минковски с оркестром Les Musiciens du Louvre – запись, сделанная уже в нашем десятилетии (2012).

В упомянутой мной коде финала симфонии он выводит на первый план не столько мелодическую линию духовых, сколько энергию ритмических формул у струнных – и это создаёт потрясающую силу развития (в записи на ютюбе слушать с 43:00).

Тем не менее, ни одно из этих исполнений не идеально в моём понимании того, как должны трактоваться авторские темпы. Ближе всего к нему – исполнение Карло Мария Джулини с Оркестром Парижа (1990). Но оно, увы, несколько однопланово по звучанию. Эх, был бы я дирижером!..

Ф. Шуберт, Симфония №9 до мажор. Оркестр Les Musiciens du Louvre, дирижер Марк Минковски:

https://youtube.com/watch?v=hqcUAItc3n8

Соната № 9 для скрипки и фортепиано, op. 47, «Крейцерова соната», 1802 год

Произведение изначально было написано в ля миноре, но чаще всего исполняют его в ля мажоре. Соната длится составляет около 40 минут, что для 19 века было очень необычным. Соната №9 была впервые услышана зрителями в 1803 году. Бетховен написал ее для скрипача  Джорджа Бриджтауэру, который стал первым исполнителем.

Накануне выступления на венской сцене были готовы только черновики. Скрипачу приходилось подглядывать через плечо дирижера, чтобы увидеть записи на нотных листках, так как часть произведения успели сделать только в одном экзампляре.

В некоторых изданиях написано, что соната посвящена Родольфу Крейцеру. В то время его знали как талантливого скрипача. Есть несколько вариантов объяснения случившегося. Некоторые исследователи считают, что Джордж нанес оскорбление даме, которая была хорошо знакома Бетховену. Композитор после этого решил изменить решение и переписал посвящение. Другие считают, что Урейцер был более известен, поэтому и было принято решение все переиграть, чтобы соната стала более популярной. Настоящую известность творение получило благодаря Льву Толстому. Он написал одноименную повесть ,«Крейцерову сонату».

Разновидности симфонии

Это интересно:

Классическая симфония – этомузыкальное произведение в сонатной циклической форме, предназначенное для исполнения симфоническим оркестром.

В симфонию (помимо симфонического оркестра) может быть включён хор и вокал. Существуют симфонии-сюиты, симфонии-рапсодии, симфонии-фантазии, симфонии-баллады, симфонии-легенды, симфонии-поэмы, симфонии-реквиемы, симфонии-балеты, симфонии-драмы и театральные симфонии как разновидность оперы.

Симфонический оркестр

В классической симфонии обычно 4 части:

первая часть – в быстром темпе (аллегро), в сонатной форме;

вторая часть – в медленном темпе, обычно в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты;

третья часть – скерцо или менуэт — в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A);

четвёртая часть – в быстром темпе, в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты.

Но бывают симфонии и с меньшим (или большим) количеством частей. Существуют и одночастные симфонии.

Программная симфония – это симфония с определенным содержанием, которое изложено в программе или выражено в названии. Если в симфонии присутствует название, тогда данное название и является минимальной программой, например, «Фантастическая симфония» Г. Берлиоза.

Бетховен – Симфония № 6

Яков Кацнельсон, пианист

Эта симфония интересна тем, что раскрывает для многих новое лицо Бетховена, не борющегося и героического, а совершенного иного.

Яков Кацнельсон. Фото – Ирина Шымчак

Именно в “Пасторальной” симфонии запечатлена квинтэссенция его второго я: ярко выраженный пантеизм, дионисийское начало, слияние с природой и в меньшей степени развитие конфликтов и коллизий, хотя, конечно, и они присутствуют здесь, как и в любом другом сочинении Бетховена.

Он написал Шестую симфонию уже после “Гейлигенштадского завещания” и моментов жуткого отчаяния в жизни. Первая его симфония была окончена в 1800 году, когда композитору исполнилось 30 лет. “Пасторальная” появилась восемь лет спустя.

Для Бетховена очень несвойственно такое программное сочинение. Каждая часть имеет свой заголовок: первая – “Радостные чувства по прибытии в деревню”, вторая – “Сцена у ручья”, третья – “Веселое сборище поселян”, четвертая – “Гроза. Буря”. Завершает все “Пастушья песня”, где слышатся переклички альпийский горнов. В этой части присутствует особый дух, который сложно описать словами. Музыка же всей симфонии отличается особенной интимностью.

Впервые я услышал ее в записи в исполнении Отто Клемперера. Ну и конечно, Бетховен Вильгельма Фуртвенглера остается самым любимым и непревзойденным по свойственному этому дирижеру особому дыханию и музыкальному времени. Его исполнение рождает во мне удивительное детское ощущение – словно тебя подхватывают на руки и куда-то уносят, в том числе и от самой симфонии Бетховена.

В одиннадцать лет я слушал “Пасторальную” в Барселоне, где играл Лейпцигский оркестр с Куртом Мазуром за дирижерским пультом. Помимо Бетховена в программу была включена и Первая симфония Малера, что тоже произвело меня меня сильное впечатление.

Л. ван Бетховен, Симфония №6 фа мажор, “Пасторальная”. Берлинский филармонический оркестр, дирижер Вильгельм Фуртвенглер:

На эту тему:

И чтец, и игрец, и «Мрачный жнец»: carpe diem, memento mori

Зрительница спешила поблагодарить артистов и упала в оркестровую яму

17 декабря — день рождения выдающегося трубача Вениамина Марголина

Родион Щедрин станет первым обладателем Медали Чайковского

Опера семи звезд: «Гугеноты» продолжают звучать в Мариинском

Предновогодняя премьера Мариинского театра — опера Моцарта «Волшебная флейта»

Моцарт – Симфония № 25

Филипп Нодель, доцент, преподаватель по классу гобоя в МГК

Это первая из двух минорных симфоний Моцарта. Другая, тоже соль-минорная, знаменитая Сороковая, как часто бывает с хитами, затмила собой предыдущие сорок, большинство из которых редко звучат на концертах.

Филипп Нодель. Фото – facebook.com/PhilipNodel

А между тем, 25-я симфония – настоящий шедевр. Именно эта музыка звучит в самом начале фильма Милоша Формана “Амадей”. Моцарт часто использует минор для выражения скорби или меланхолии, но здесь царит настоящий Sturm und Drang – “Буря и натиск”, отсылающий нас к сентиментализму, “первому Романтизму”, в котором творил К. Ф. Э. Бах.

Синкопы, резкие контрасты нюансов и темпов, тремоло струнных – все это способствует напряженности и драматизму. Примечателен духовой состав оркестра – два гобоя, две пары валторн, два фагота. Последние нежно перекликаются со струнными в безмятежной второй части, написанной в духе Гайдна.

Трио менуэта – яркий пример ранней моцартовской harmoniemusik, отсылающей к его дивертисментам для шести духовых инструментов. Тема финала напоминает не то моравский танец, не то фрейлехс, и снова возвращается бурный драматический характер первой части.

Моцарту было всего всего 17 лет, когда он закончил 25-ю симфонию, каждый раз поражаешься – как можно написать такой шедевр в столь юном возрасте…

В. А. Моцарт, Симфония №25 соль минор KV 183. Оркестр “English Concert”, дирижер Тревор Пиннок:

Премьера

Бетховен посвятил симфонию двум своим покровителям — князю Ф. Й. фон Лобковицу и графу А. К. Разумовскому . Посвящение было напечатано в первом издании произведения в апреле 1809 года .

Первое публичное исполнение Пятой симфонии состоялось 22 декабря 1808 года в венском «Театр ан дер Вин » на громадном концерте-бенефисе , целиком состоявшем из премьер произведений Бетховена под управлением самого автора. В программе значились две симфонии, которые исполнялись в порядке, обратном их нынешним номерам: Пятая нумеровалась как № 6, а Шестая — как № 5. Программа включала в себя:

1. Арию «О, изменник» («Ah, perfido»), Op. 65;
2. Части Kyrie и Gloria из Мессы до мажор;
3. Концерт для фортепиано с оркестром № 4 (в исполнении самого Бетховена);

(антракт)

2 стр., 783 слов

Людвиг ван Бетховен: произведения

… оркестром; пять концертов для фортепиано с оркестром. Симфония № 5 – самое знаменитое сочинение для оркестра из тех, что написал Бетховен. Произведения подобной силы трудно найти в истории … частей, она была вдохновлена Исполненная огня соната № 8 («Патетическая»). В ней отражены героические и возвышенно-романтические мотивы. Для скрипки и фортепиано также нередко писал Бетховен. Произведения …

1. (значилась в программе как «Большая симфония до минор »);
2. Части Sanctus и Benedictus из Мессы до мажор;
3. Хоральную фантазию.

Премьера была неудачной. Концерт длился четыре часа — с 18:30 до 22:30. В зале царил холод, публика устала от массы нового материала, и в начале второго отделения вряд ли могла полноценно воспринимать любое произведение, тем более такое новаторское, как Пятая симфония. Первоначально планировалось завершить вечер симфонией до минор, но Бетховен, справедливо опасаясь, что и слушатели, и оркестранты будут утомлены, просто добавил после неё ещё несколько произведений, чтобы она не была последней. Репетиций было недостаточно, и качество исполнения оставляло желать лучшего (исполняя в конце Хоральную фантазию, музыканты допустили ошибку, в результате чего её пришлось начать сначала, таким образом ещё больше удлинив концерт) .

Малер – Симфония № 2

Выбор редакции

Эта фраза принадлежит дирижеру Владимиру Юровскому, которому в минувшем сезоне предстояло исполнить в Лондоне Вторую симфонию с Оркестром эпохи Просвещения (англичане играют на исторических инструментах).

Густав Малер. Фото – gustavmahler.com

Каждое из симфонических полотен Малера – философское размышление, поражающее своей глубиной и при этом оказывающее сильнейшее эмоциональное воздействие. Из девяти законченных симфоний нашей редакции хотелось бы выделить Вторую, первоначально имевшую программное название “Воскресение”. Так описывал ее замысел сам композитор:

Г. Малер, Симфония №2 до минор «Воскресение». Оркестр Люцернского фестиваля, дирижер Клаудио Аббадо:

Симфонический оркестр

Его состав, как мы уже сказали, сложился в эпоху венских классиков.

Челеста

Основой симфонического оркестра являются четыре группы инструментов: струнные смычковые (скрипки, альты, виолончели, контрабасы), деревянные духовые (флейта, гобой, кларнет, фагот, саксофон со всеми их разновидностями – старинные блокфлейта, шалмей, шалюмо и др., а также ряд народных инструментов – балабан, дудук, жалейка, свирель, зурна), медные духовые (валторна, труба, корнет, флюгельгорн, тромбон, туба), ударные (литавры, ксилофон, вибрафон, колокольчики, барабаны, треугольник, тарелки, бубен, кастаньеты, там-там и другие).

Орган

Иногда в состав оркестра включаются и другие инструменты: арфа, фортепиано, орган (клавишно-духовой музыкальный инструмент, самый крупногабаритный вид музыкальных инструментов), челеста (небольшой клавишно-ударный музыкальный инструмент, внешне похожий на пианино, звучащий наподобие колокольчиков), клавесин.

Клавесин

Большой симфонический оркестр может включать в себя до 110 музыкантов, малый – не более 50.

Решение о том, как рассадить оркестр, принимает дирижёр. Расположение исполнителей современного симфонического оркестра направлено к достижению слитной звучности. В 50-70 гг. XX в. получила распространение «американская рассадка»: слева от дирижёра помещаются первые и вторые скрипки; справа – альты и виолончели; в глубине – деревянные и медные духовые, контрабасы; слева – ударные.

Концерт для скрипки с оркестром, op. 61, 1806 год

Это музыка для скрипки. Бетховен впервые написал законченный концерт для этого инструмента. Опыт был очень необычным. Впервые он начал работать над созданием законченных партий для скрипки в 1790 году. С тех пор он создал несколько вариантов. И до сих пор непонятно точно, является ли описываемое творение каким-то отдельным проектом или это часть более масштабного проекта.

При жизни автора этот концерт никогда не играли на широкую публику. Композитор написал его для Франца Клемента, который был директором Венского театра. В 1806 году впервые музыка была исполнена на бенефисе Клемента. Через 2 года вышло и печатное нотное издание. Но потом музыка была благополучно забыта. Она не произвела какого-то особого фурора.

В 1844 году Концерт для скрипки исполнил 12-летний Йозеф Иоахим в сопровождении оркестра Королевского филармонического общества. Это и дало сонате вторую жизнь. Ее оценили по достоинству и с тех пор начали регулярно исполнять на сцене.

Творческий путь

Творческий путь Бетховена делится на три периода. На раннем периоде в музыке Бетховена ощущается стиль его предшественников — Гайдна и Моцарта, но в более новом направлении. Главные сочинения этого времени:

• первые две симфонии,
• 6 струнных квартетов,
• 2 концерта для фортепиано,
• первые 12 сонат, самая известная из них Патетическая.

В среднем периоде Людвиг ван Бетховен очень переживал из-за своей глухоты. Все свои переживания он перенёс в свою музыку, в которой ощущается экспрессия, борьба и героизм. В это время он сочинил 6 симфоний и 3 фортепианных концерта и концерт для фортепиано, скрипки и виолончели с оркестром, струнные квартеты и скрипичный концерт. Именно в этот период своего творчества была написана Лунная соната и Аппассионата, Крейцерова соната и единственная опера — Фиделио.

В позднем периоде творчества великого композитора в музыке появляются новые сложные формы. Четырнадцатый струнный квартет имеет семь взаимосвязанных частей, а в последней части 9 симфонии добавляется хоровое пение. В этот период творчества написаны Торжественная Месса, пять струнных квартетов, пять сонат для фортепиано. Музыку великого композитора можно слушать бесконечно. Все его сочинения уникальны и оставляют у слушателя хорошее впечатление.

Лучшее слушать онлайн

Представитель венской классической школы, Бетховен вслед за И. Гайдном и В. А. Моцартом разрабатывал формы классической музыки, позволяющие отразить разнообразные явления действительности в их развитии. Сонатно-симфонический цикл был Бетховеным расширен, наполнен новым драматическим содержанием.

В трактовке главной и побочной партий и их соотношения Бетховен выдвинул принцип контраста как выражения единства противоположностей. Этим в значительной мере обусловлены расширение круга тональностей побочных партий, повышение роли связующих и заключительных партий, увеличение масштаба разработок и введение в них новых лирических тем, динамизация реприз, перенесение общей кульминации в развёрнутую коду. С этим же связано и более широкое понимание границ тональности и сферы действия тонального центра, чем у его предшественников.

Бетховен расширил оркестровые диапазоны ведущих голосов, интенсифицировал выразительность всех оркестровых партий. Важную роль в формировании стиля композитора сыграла его работа над техникой варьирования и вариационной формой. Совершенствуя найденную им форму свободных вариаций (финал фортепьянной сонаты № 30, вариации на тему Диабелли, 3-я и 4-я части 9-й симфонии и др.), Бетховен существенно обогатил и традиционные типы варьирования (Andante из 5-й симф., 32 вариации для фортепьяно c-moll, медленные части фортепьянных сонат № 23 и 32). С новым принципом сочинения вариаций связан и новый подход к полифонической технике.

Главные особенности бетховенского симфонического метода

• Показ образа в единстве противоположных, борющихся друг с другом элементов. Бетховенские темы часто строятся на контрастных мотивах, образующих внутреннее единство. Отсюда их внутренняя конфликтность, которая служит предпосылкой напряженного дальнейшего развития.
• Огромная роль производного контраста. Под производным контрастом понимается такой принцип развития, при котором новый контрастный мотив или тема, является результатом преобразования предыдущего материала. Новое вырастает из старого, которое переходит в собственную противоположность.
• Непрерывность развития и качественных изменений образов. Развитие тем начинается буквально с самого начала их изложения. Так, в 5 симфонии в I части нет ни одного такта собственно экспозиции (за исключением «эпиграфа» – самых первых тактов). Уже на протяжении главной партии начальный мотив разительно преображается – он воспринимается одновременно и как «роковой элемент» (мотив судьбы) и как символ героического сопротивления, то есть противостоящего року начала. Чрезвычайно динамична и тема главной партии «Героической» симфонии, которая также сразу дается в процессе бурного развития. Вот почему при лаконизме бетховенских тем – партии сонатных форм весьма развернуты. Начавшись в экспозиции, процесс развития охватывает не только разработку, но и репризу, и коду, которая превращается как бы во вторую разработку.
• Качественно новое единство сонатно-симфонического цикла, по сравнению с циклами Гайдна и Моцарта. Симфония становится «инструментальной драмой», где каждая часть является необходимым звеном единого музыкально-драматургического «действия». Кульминацией этой «драмы» является финал. Ярчайший образец бетховенской инструментальной драмы – «Героическая» симфония, все части которой связаны общей линией развития, направленной к грандиозной картине всенародного торжества в финале.

Говоря о симфониях Бетховена, следует подчеркнуть его оркестровое новаторство. Из новшеств:

• фактическое формирование медной группы. Хотя трубы по-прежнему играют и записываются вместе с литаврами, функционально они с валторнами начинают трактоваться как единая группа. К ним присоединяются и тромбоны, которых не было в симфоническом оркестре Гайдна и Моцарта. Тромбоны играют в финале 5 симфонии (3 тромбона), в сцене грозы в 6-й (здесь их только 2), а также в некоторых частях 9-й (в скерцо и в молитвенном эпизоде финала, а также в коде).
• уплотнение «среднего яруса» заставляет наращивать вертикаль сверху и снизу. Сверху появляется флейта пикколо (во всех указанных случаях, кроме молитвенного эпизода в финале 9-й), а снизу – контрафагот (в финалах 5 и 9 симфонии). Но в любом случае флейт и фаготов в бетховенском оркестре всегда по две.

Продолжая традиции и поздних симфоний Моцарта, Бетховен усиливает самостоятельность и виртуозность партий почти всех инструментов, включая трубу (знаменитое соло за сценой в увертюрах «Леонора» №2 и №3) и литавры. Партий струнных у него нередко бывает реально 5 (контрабасы отделяются от виолончелей), а иногда и больше (игра divisi). Солировать, исполняя очень яркий материал, могут все деревянные духовые, в том числе фагот, а также валторны (хором, как в трио скерцо 3 симфонии, или отдельно).

C-dur, D-dur, Es-dur («Героическая»), B-dur, c-moll, F-dur («Пасторальная»), A-dur, F-dur, d-moll.

Бетховен предназначал свои симфонии для исполнения в открытых концертах-академиях (они проходили обычно либо перед Рождеством, либо во время Великого поста, когда в театрах были запрещены сценические представления).

Самые знаменитые – «Кориолан», «Эгмонт», «Леонора № 1», «Леонора « 2». «Леонора № 3».

Музыка

Первую часть открывает дважды повторенная фортиссимо тема судьбы. Главная партия сразу же активно развивается, устремляясь к вершине. Тот же мотив судьбы начинает побочную партию и постоянно напоминает о себе в басах струнной группы. Контрастная по отношению к нему мелодия побочной, певучая и нежная, завершается, однако, звонкой кульминацией: весь оркестр в грозных унисонах повторяет мотив судьбы. Возникает зримая картина упорной, бескомпромиссной борьбы, которая переполняет разработку и продолжается в репризе. Как это свойственно Бетховену, реприза не является точным повторением экспозиции. Перед появлением побочной партии возникает внезапная остановка, солирующий гобой декламирует ритмически свободную фразу. Но развитие не заканчивается и в репризе: в коде продолжается борьба, причем исход ее неясен — первая часть не дает вывода, оставляя слушателя в напряженном ожидании продолжения.

Медленная вторая часть задумывалась композитором как менуэт. В окончательном варианте первая тема напоминает песню, светлую, строгую и сдержанную, а вторая тема — поначалу вариант первой — приобретает у медных и гобоя фортиссимо в сопровождении ударов литавр героические черты. Не случайно в процессе ее варьирования затаенно и тревожно, как напоминание, звучит мотив судьбы. Любимая Бетховеном форма двойных вариаций выдержана в строго классических принципах: обе темы излагаются все более мелкими длительностями, обрастают новыми мелодическими линиями, полифоническими имитациями, но всегда сохраняют ясный, светлый характер, становясь к концу части еще более величавыми и торжественными.

Тревожное настроение возвращается в третьей части. Это совершенно необычно трактуемое скерцо — вовсе не шутка. Продолжаются столкновения, борьба, начавшаяся в сонатном аллегро первой части. Первая тема представляет собой диалог — затаенному вопросу, звучащему еле слышно в глухих басах струнной группы, отвечает задумчивая, печальная мелодия скрипок и альтов, поддержанных духовыми. После ферматы валторны, а за ними весь оркестр фортиссимо утверждают мотив судьбы: в таком грозном, неумолимом варианте он до сих пор еще не встречался. Второй раз диалогическая тема звучит неуверенно, дробясь на отдельные мотивы, не получая завершения, отчего тема судьбы, по контрасту, предстает еще более грозной. При третьем появлении диалогической темы завязывается упорная борьба: с задумчивым, певучим ответом полифонически соединяется мотив судьбы, слышатся трепетные, молящие интонации, и кульминация утверждает победу судьбы. Картина резко меняется в трио — энергичном фугато с подвижной мажорной темой моторного, гаммообразного характера. Совершенно необычна реприза скерцо. Впервые Бетховен отказывается от полного повторения первого раздела, как это всегда было в классической симфонии, насыщая сжатую репризу интенсивным развитием. Оно происходит словно вдали: единственное указание силы звучности — варианты пиано. Обе темы значительно изменены. Первая звучит еще более затаенно (струнные пиццикато), тема судьбы, утрачивая грозный характер, возникает в перекличках кларнета (затем гобоя) и пиццикато скрипок, прерывается паузами, и даже тембр валторны не придает ей прежней силы. В последний раз ее отголоски слышны в перекличках фаготов и скрипок; наконец, остается только монотонный ритм у литавры пианиссимо. И тут наступает удивительный переход к финалу. Словно брезжит робкий луч надежды, начинаются неуверенные поиски выхода, переданные тональной неустойчивостью, модулирующими оборотами…

Ослепительным светом заливает все вокруг начинающийся без перерыва финал. Торжество победы воплощено в аккордах героического марша, усиливая блеск и мощь которого композитор впервые вводит в симфонический оркестр тромбоны, контрафагот и флейту-пикколо. Живо и непосредственно отражена здесь музыка эпохи Французской революции — марши, шествия, массовые празднества победившего народа. Рассказывают, что наполеоновские гренадеры, посетившие концерт в Вене, при первых звуках финала вскочили с мест и отдали честь. Массовость подчеркнута простотой тем, преимущественно у полного оркестра, — броских, энергичных, не детализированных. Их объединяет ликующий характер, который не нарушается и в разработке, пока в нее не вторгается мотив судьбы. Он звучит как напоминание о прошлой борьбе и, может быть, как предвестие будущего: предстоят еще и схватки и жертвы. Но теперь в теме судьбы нет прежней грозной силы. Ликующая реприза утверждает победу народа. Продлевая сцены массового торжества, Бетховен завершает сонатное аллегро финала большой кодой.