Австрия xviii

Введение

В конце 19 начале 20 века в немецкой музыкальной культуре еще были сильны традиции Вагнера и Брамса. Тем не менее, это время отмечено исканиями новых путей. В музыке переплетаются течения неоклассицизма, экспрессионизма и неоромантизма. Нередко признаки всех этих влияний можно проследить в творчестве одного и того же композитора. К самым талантливым композиторам этого периода относятся Рихард Штраус, Макс Регер, Пауль Хиндемит.

В 20 – 30 годы двадцатого столетия в музыкальной культуре Германии наступает расцвет исполнительского искусства. В многочисленных концертных залах и оперных театрах выступают крупнейшие певцы, инструменталисты, дирижёры: Бруно Вальтер, Вильгельм Фуртвенглер, Отто Клемперер, пианисты Вальтер Гизекинг, Артур Шнабель.

Но в годы фашизма многие выдающиеся музыканты и композиторы вынуждены были покинуть Германию.

Сейчас в Германии работают: оркестр Баварского радио, оркестр Берлинской филармонии, Гамбургская опера, Берлинская опера, Дрезденская Штатскапелла и другие коллективы.

Гордостью немецкого искусства стали дирижёры: Герберт фон Караян, Карлос Клайбер, Рафаэль Кубелик, певцы: Дитрих Фишер-Дискау, Элизабет Шварцкопф, пианист Вильгельм Кемпф и другие.

Музыка второй половины XIX века

Этот период считается мощным расцветом музыкальной русской культуры. Подъем происходит на фоне обострившихся социальных противоречий, приведших к реформам и, как следствие, к большой общественной активности.

В это время открывается первая русская консерватория в Петербурге, директором которой становится А. Рубинштейн. А через четыре года уже в Москве также начинает свою работу консерватория под руководством брата Антона Рубинштейна Николая.

Первые их выпускники, среди которых был П. Чайковский, стали гордостью страны и прославили ее. В этот период особое место принадлежит объединению известных композиторов, которое называлась «Могучей кучкой» или «Новой русской школой». Основателем ее был Балакирев, кроме него сюда входило еще четыре композитора: Кюи, Мусоргский, Бородин и Римский-Корсаков.

Их эстетические позиции сформировались под влиянием В. Стасова, известного русского музыкального и художественного критика.
Они считали себя последователями великого М. Глинки и в своих творениях продолжали музыкальные традиции классической музыки, которые были заложены Глинкой и Даргомыжским.

Замечание 2

Композиторы «Могучей кучки» развивали русскую национальную музыку и считали своей основной задачей правдивое отражение в музыке жизни народа, которое было бы понятно массовому слушателю.

Морис Равель (1875—1937)

Вторым замечательным представителем музыки импрессионизма был французский композитор Морис Равель
(1875—1937). Его музыка отличается большей, чем у Дебюсси, энергией и динамикой. Недаром так велики его достижения в
жанре балета. Его «Болеро» и «Вальс» называют симфоническими поэмами танца.

Две характерные черты творчества Равеля сказались в «Болеро»: любовь к танцу и глубокий интерес к
испанской музыке. «Болеро» представляет собой одну цепь непрерывного динамического нарастания. «Чудом
композиторского мастерства» назвал С. Прокофьев эту балетную пьесу.

Расцвечивая тему бесконечно меняющимися красками, излагая ее в «Тысячах различных нарядов» (С.
Прокофьев), Равель виртуозно использовал возможности современного оркестра, создав ослепительно инструментованное
произведение.

Гротесковое начало проявилось в таких вещах Равеля, как опера-буфф «Испанский час» (1907) и
хореографическая поэма «Вальсы» (1920). Это сближает Равеля с экспрессионистами.

Равель смог найти свою индивидуальную манеру высказывания, еще более расширить звукоизобразительные колористические
возможности музыки. Красочность и живописность его музыки никогда не заслоняла содержания. От
мечтательно-поэтической музыки Дебюсси его музыка отличалась ослепительной яркостью и броскими красками испанского
фольклора. Одной из вершин его творчества явился балет «Дафнис и Хлоя», написанный в 1909 г. по заказу
С. Дягилева для выступлений в Париже русской балетной труппы.

Русская музыка второй половины 19 века

Во второй половине 19 века музыка становится более доступной для разных слоев населения.

• Открываются Московское и Петербургское отделения Императорского русского музыкального общества, постоянно проводящие доступные всем музыкальные собрания,
• В Петербурге создается бесплатная музыкальная школа,
• Основываются консерватории – вначале в столицах (возглавляли их братья Рубинштейны), а концу века и в других городах.

Становятся популярными новые музыкальные жанры – симфонические циклы, симфонии (первая симфония (фа-мажор) была создана А.Г. Рубинштейном в 1859, но она не получила широкой популярности; более известна его симфония номер 2 до-мажор под названием «Океан». Настоящего расцвета в русской музыке этот жанр достиг в творчестве Римского-Корсакова и Чайковского).

Композиторские школы 19 века в России 

Также в стране в 19 веке формируются две крупнейшие композиторские школы:

 Первая – Новая русская школа в Петербурге, позже В.В. Стасов назовет её «Могучая Кучка».

В нее входили М.А. Балакирев, А.П. Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков и Ц.А. Кюи. Главным своим наставником и учителем они видели М.И. Глинку, а главной целью – воплощение национального начала в своих музыкальных произведениях. В то время очень сильны были революционные идеи; вся интеллигенция размышляла над проблемами крестьян, сами же крестьяне устраивали бунты и восстания. На этом фоне и появилась «Могучая кучка» с её идеями национального, духовного, народного богатства. Тщательно собирая русский фольклор, они старались передать в операх всю силу народного духа.

Вторая – московская школа;

возглавлял её П.И. Чайковский, и в нее входили А.А. Алябьев, С.И. Танеев, А.Е Варламов и другие.

Если петербургская композиторская школа стояла за эпичность в музыке, то московской школе русских композиторов были более свойственны лирические произведения. Например, природа, пейзаж у П.И. Чайковского всегда изображен через призму человеческих чувств, у композиторов кучкистов природа, скорее, сильный, полноправный герой, не имеющий ничего общего с человеком. Таких различий много, однако, самое главное – они относились к разным временным эпохам.

• Московская школа представляла эпоху уходящую, «век минувший»,
• Петербургская же (или «новая русская», как её называли) заключала в себе все, что было свойственно «веку нынешнему».

Антагонизм этих двух школ повлиял на творчество не только их приверженцев, но и тех композиторов, которые не причисляли себя ни к той, ни к другой школе.

Исполнительское искусство 19 века

Что касается исполнительского искусства, в России очень многое поменялось в течение этого периода. До него распространено было лишь любительское домашнее музицирование (об этом уже говорилось выше), к началу же 20 века музыкальные произведения стали исполняться в огромных залах оперных театров, стали формироваться отечественные школы игры и пения и открываться высшие учебные заведения.

Музыкальные инструменты

Одно из главных изобретений 19 века – механизм вентилей для духовых инструментов, с помощью которого возможности духовых музыкальных инструментов стали гораздо шире; появились новые инструменты – например, туба и флейта-пикколо. Кроме того, то пианино, на котором мы играем сегодня, было изобретено в то же время в Америке и сразу же приобрело небывалую популярность и в России.

Подведем итог.

В русской музыкальной культуре 19 века произошел настоящий подъем, сформировалась национальная музыкальная школа, и отечественных композиторов признал и начал уважать весь мир.

Педагогическая деятельность.

Свои театральные произведения Карл Орф создавал в расчете на универсального артиста, который может быть и чтецом, и певцом, и актером, и даже мимом. Он был убежден в том, что подобная универсальность изначально заложена в природе человеческих способностей, надо только создать условия для их развития. Композитор разработал свою оригинальную  модель обучения детей музыке в процессе свободного музицирования.

Вопросами музыкального воспитания Орф стал заниматься уже в молодые годы. Он основал в Мюнхене (вместе с хореографом Доротеей Гюнтер) школу гимнастики, музыки и танца (1924). Многолетний опыт работы в этой школе лег в основу музыкально-педагогической системы Орфа. Она опирается, главным образом, на развитие чувства ритма как первоначальной основы музыкальных способностей, а также на синтез музыки и движения.

Результатом работы композитора в школе Гюнтер явился пятитомный труд «Шульверк» . В основе «Шульверка» лежит фольклор – южно-немецкие песни и танцы.

В 1962 году в Зальцбурге, в Высшей школе музыки и изобразительного искусства «Моцартеум», стал действовать созданный Орфом Институт музыкального воспитания. Институт Орфа стал крупнейшим интернациональным центром подготовки музыкальных воспитателей для дошкольных учреждений и общеобразовательных школ.

Педагогическая система Орфа ставит целью не обучение музыканта-профессионала, а формирование гармонично развитой личности, способной как к восприятию самой различной музыки – от средневековой до современной, так и к практическому музицированию в самых различных формах.

Работу выполнил: студент группы ДБПО-201мр

Эсси-Эзинг Павел

• Административная правоспособность, дееспособность, правосубъектность и деликтоспособность граждан
• Субъекты административного права
• Классификация преступлений в международном праве
• Финансовые риски и их страхование
• Отрасли международного права
• Техногенные катастрофы, их стадии и последствия. Ликвидация последствий
• Контроль за исполнением документов
• ЭТИКА ДЕЛОВОГО ОБЩЕНИЯ (MBA-Стратегический менеджмент)
• Современные системные программные средства.
• History of Sambo
• Основные характеристики ЕСМ-систем
• Лидерами рождаются или становятся

Архитектура

Развитие индустриальной цивилизации оказало огромное воздействие на европейскую архитектуру. Научно-технические достижения способствовали нововведениям. В XIX в. намного быстрее строились крупные здания государственного и общественного значения. С в строительстве стали применяться новые материалы, особенно железо и сталь. С развитием фабричного производства, железнодорожного транспорта и больших городов появляются новые типы сооружений — вокзалы, стальные мосты, банки, крупные магазины, здания выставок, новые театры, музеи, библиотеки.

Архитектура в XIX в. отличалась разнообразием стилей, монументальностью, своим практическим назначением.

Фасад здания Парижской оперы. Построено в 1861 —1867 гг. Выражает эклектическое направление, вдохновлено эпохой Ренессанса и барокко

На протяжении всего столетия наиболее распространенным был неоклассический стиль. Здание Британского музея в Лондоне, сооруженное в 1823—1847 гг., дает наглядное представление об античной (классической) архитектуре. Вплоть до 60-х гг. модным был так называемый «исторический стиль», выразившийся в романтическом подражании архитектуре средних веков. В конце XIX в. наблюдается возврат к готике в строительстве церквей и общественных зданий (неоготика, т. е. новая готика). Например, здание парламента в Лондоне. В противовес неоготике возникает новое направление ар-нуво (новое искусство). Для него были характерны извилистые плавные очертания зданий, помещений, деталей интерьера. В начале XX в. возникло еще одно направление — модернизм. Стиль модерн отличается практичностью, строгостью и продуманностью, отсутствием украшений. Именно этот стиль отразил суть индустриальной цивилизации и в наибольшей степени связан с нашим временем.

По своему настроению европейское искусство конца XIX — начала XX в. было контрастным. С одной стороны, оптимизм и бьющая через край радость бытия. С другой стороны, неверие в созидательные возможности человека. И в этом не следует искать противоречия. Искусство лишь отражало по-своему то, что происходило в реальном мире. Глаза поэтов, писателей и художников были острее и зорче. Они видели то, чего не видели и не могли видеть другие.

ЭТО ИНТЕРЕСНО ЗНАТЬ

Использованная литература:В. С. Кошелев, И.В.Оржеховский, В.И.Синица / Всемирная история Нового времени XIX — нач. XX в., 1998.

Русская музыка 19 века — история, имена, характеристика

Первый период в отечественной музыкальной истории —  это «до – глинкинская» эпоха

В начале века в русской музыке царило смешение двух стилей – классицизма и романтизма. В первой половине 19 столетия произошли такие масштабные для России события, как Отечественная война, восстание декабристов; в обществе распространялись идеи Великой Французской революции, произошедшей незадолго до этого. Все это не могло не отразиться на культуре страны. В литературе появляются М.Ю. Лермонтов, В.Ф. Одоевский, в живописи – О.А.Кипренский и К.П. Брюллов. В музыкальной культуре России 19 века также слышны отголоски романтизма, который по-настоящему захлестнет страну с приходом М.И. Глинки.

Основные жанры и направления

Самыми популярными течениями в русской музыке 19 века были:

1. «городская» песня. Окончательно сформировывается к 19 веку. Чаще всего такие песни рождались из простой гитарной импровизации безымянных любителей на стихи поэтов (например, «Вечерний звон», «Чем тебя я огорчила»).
2. запись и обработка народных напевов. В конце 18 века В.Трутовский выпустил сборник русских народных песен. Ими заинтересовались практически все жители столицы, после чего стало появляться множество музыкальных произведений в народном стиле («Вьется ласточка сизокрылая»).
3. камерно-вокальная музыка с примесью русского фольклора, исполняемая на музыкальных домашних вечерах. Под влиянием романтизма появляется русский романс (особенно популярны были романсы А.А. Алябьева («Соловей») и А.Е. Варламова («Ах, ты, время-времечко», «Вдоль по улице метелица метёт»)) и созданный на его основе цыганский романс, в котором не требовался профессиональный вокальный голос и замысловатый аккомпанемент (например: «Твои глаза зелёные»).

Также был ещё жив такой музыкальный жанр, как водевиль – легкая пьеса с куплетами. В музыкальной культуре России «до-глинского» периода были особенно популярны водевили:

• А.А. Шаховского («Любовное зелье», «Беглец от своей невесты»)
•  Ф.В. Булгарина («Разговор в царстве мёртвых», «Похождения Митрофанушки на Луне»),

однако каждый молодой дворянин считал своим долгом сочинить хотя бы раз в своей жизни водевильную пьеску для бенефиса какого-нибудь актера.

В театрах исполнялись преимущественно итальянские и французские оперы. В русской опере преобладали былинные мотивы; однако уже было заметно влияние романтизма (А.Н. Верстовский, например, часто использовал в своих произведениях романтические сюжеты – обращение к эпохальному прошлому).

Классические традиции в музыке

Классические бетховенские традиции нашли свое развитие в творчестве австрийского симфониста Густава
Малера (1860—1911), который был выдающимся дирижером, а в 1897—1907 гг. руководил Венской оперой.

Между 1888 и 1909 гг. Малер создает 10 симфоний, каждая из которых становится
событием в музыкальной жизни Европы. Он
резко поднял общественное звучание музыкальных произведений, возродил на новой основе традиции философской
симфонии-исповеди. Малер смело использовал в симфониях вокальное и хоровое начала, добивался гармонического единства
сложнейших музыкальных тем с бесхитростными мелодиями фольклора. Малер шел от традиций Бетховена и Шуберта, ему были
чужды символические и натуралистические увлечения.

Классическая музыка Австрии

Современная музыкальная жизнь Австрии опирается на великое немецкое музыкальное наследие. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – титаны старой венской школы заложили венский стиль классики, дав мощный толчок, позволяющий до сих пор развиваться австрийской музыкальной культуре. За ними последовали такие блестящие ученики и последователи, как Антон Брукнер, Франц Шуберт, Густав Малер, Хуго Вольф. Многие из них долгое время жили и творили в Вене. Моцарта, Гайдна и Бетховена причисляют к венским классикам, поскольку написанные ими вещи не только получили всемирное признание, но и являются непревзойдёнными образцами до сих пор.

Старшим по возрасту немецким классиком является Франц Йозеф Гайдн (1732-1809), который заложил основу таких классических жанров, как струнный квартет и симфония. Творческое наследие Гайдна обширно: 24 оперы, 104 симфонии, 6 месс, 3 оратории и огромное число мелких светских и духовных произведений.

Следующим на свет появился гениальный композитор и виртуозный музыкант Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791), оказавший глубочайшее влияние на мировую и европейскую музыкальную культуру. Моцарт был очень плодовитым композитором, одинаково успешно справлявшимся и с оперой, и с инструментальными произведениями. Ему пришлось много поездить по Европе, но зенита своей славы он достиг именно в Вене. Здесь были написаны его шедевры – «Дон Жуан», «Свадьба Фигаро», «Волшебная флейта» и «Реквием».

Третий титан венской классической школы Людвиг ван Бетховен (1770-1827) продолжает оставаться одним из самых исполняемых в мире композиторов. Хотя он и родился в Бонне, но большую часть жизни прожил в австрийской столице или возле неё. Каждая из его девяти симфоний, а также множество скрипичных и фортепианных сонат и концертов стали бриллиантами мировой музыки.

Необходимо упомянуть также имя Франца Шуберта (1797-1828), который также жил в Вене и считается основоположником музыкального романтизма.

В австрийской музыкальной культуре XIX века особое место занимает венский вальс, популярность которому придали два поколения семьи Штраусов. Иоганн Штраус отец (1804-1849) взялся писать вальсы, сделав их главным танцем XIX века, которым восхищались и низы, и аристократы. Под его рукой вальс приобрёл свои классические черты – лёгкость, беззаботность, изящество. Иоганн Штраусс сын (1825-1899) стал музыкантом против воли отца, и смог его превзойти как сочинитель и как дирижёр. Венцы именно его прозвали «королём вальса». Меньший вклад в развитие вальса внёс его брат Йозеф Штраусс (1827-1870).

В конце XIX века золотой век австрийской музыки продолжил Густав Малер, а с XX века начали творить музыканты новой венской додекафонической школы – Антон Шёнберг и его ученики. Во все времена Вена притягивала к себе иностранных музыкантов.

Современная австрийская музыка

Но классикой австрийская музыка не стала ограничиваться. Разнообразие жанров современных исполнителей поражает. Многие из них признаются в мире и удостаиваются международных наград:

• За 2001 и 2002 годы премию «Amadeus Austrian Music Award» получил DJ Ötzi, как самый успешный австрийский артист на международной сцене.
• В 2002 году Амадеус в категории «group pop/rock national» присудили битбоксинг-группе «Bauchklang».
• Амадеус в категории «artist pop/rock national» получали Андре Хеллер, Райнхард Фендрих, Falco, Кристина Штюрмер и Георг Данцер.
• Нельзя не упомянуть о Кончите Вурст, которая победила на «Евровидении», произведя там настоящий фурор, и подарила Вене право принимать у себя следующий конкурс.

Как видно, австрийская музыка проделала за минувшие столетия впечатляющий путь – от Моцарта до Кончиты Вурст, чем доказала, что ещё не закостенела и способна шагать в ногу со временем.

Оценить!

7.5
101

Музыка

В музыке не происходило столь значительных изменений, как в других видах искусства. Но и она подверглась влиянию индустриальной цивилизации, национально-освободительных и революционных движений, которые сотрясали Европу на протяжении всего столетия. В XIX в. музыка вышла за пределы дворцов вельмож и церковных храмов. Она становилась более светской и более доступной для широких слоев населения. Развитие издательского дела способствовало быстрому печатанию нот и распространению музыкальных произведений. В это же время создавались новые и совершенствовались старые музыкальные инструменты. Пианино стало неотъемлемой и обыденной вещью в доме европейского буржуа.

Вплоть до конца XIX в. господствующим направлением в музыке был романтизм. У его истоков стоит гигантская фигура Бетховена. Людвиг вон Бетховен (1770— 1827) с уважением относился к классическому наследию XVIII в

Если и вносил изменения в сложившиеся правила музыкального искусства, то делал это осторожно, стараясь не обидеть своих предшественников. Этим он отличался от многих поэтов-романтиков, которые часто ниспровергали всех и вся

Бетховен был столь гениален, что, даже будучи глухим, мог создавать бессмертные произведения. Его знаменитые Девятая симфония и «Лунная соната» обогатили сокровищницу музыкального искусства.

Музыканты-романтики черпали вдохновение в народных песенных мотивах и танцевальных ритмах. Часто обращались в своем творчестве к литературным произведениям — Шекспира, Гёте, Шиллера. Некоторые из них проявляли склонность к созданию гигантских оркестровых произведений, чего и в помине не было в XVIII в. Но это стремление так отвечало мощной поступи индустриальной цивилизации! Французский композитор Гектор Берлиоз особенно поражал грандиозностью своих замыслов. Так, он написал сочинение для оркестра, состоящего из 465 музыкальных инструментов, включая 120 виолончелей, 37 басовых, 30 пианино и 30 арф.

Никколо Паганини (1782—1840). Итальянский скрипач и композитор.Обладал такой виртуозной техникой, что ходили слухи, будто бы не иначе как сам дьявол обучил его игре на скрипке. В середине музыкального исполнения скрипач мог порвать три струны и продолжать играть столь же выразительно на единственной оставшейся струне

Джузеппе Верди (1813—1901)

Людвиг ван Бетховен (1770—1827)

Фредерик Шопен (1810—1849)

В XIX в. многие европейские страны дали миру великих композиторов и музыкантов. В Австрии и Германии национальную и мировую культуру обогатили Франц Шуберт и Рихард Вагнер, в Польше — Фредерик Шопен, в Венгрии — Ференц Лист, в Италии — Джоакино Россини и Джузеппе Верди, в Чехии — Бедржих Сметана, в Норвегии — Эдвард Григ, в России — Глинка, Римский Корсаков, Бородин, Мусоргский и Чайковский.

С 20-х гг. XIX в. в Европе начинается увлечение новым танцем — вальсом. Вальс возник в Австрии и в Германии в конце XVIII в., произошел от австрийского лендлера — традиционного крестьянского танца

Модернизм в музыке

Музыкальные пейзажи импрессионистов остаются непревзойденными по тонкости и изысканности красок, по существу столь же
характерными для французской художественной культуры.

Поколение французских композиторов, выступавших вслед за импрессионистами (уже после первой мировой войны) — А.
Онеггер, Д. Мийо, Ж. Оик, Ф. Пуленк и другие — отвернулось от своих предшественников, их утонченность и изысканность
оказались не соответствующими новому времени. А в 1918 г. увидела свет книга Жана Кокто «Петух и Арлекин».
Ее автор — известный в то время французский поэт, художник и музыкальный критик — писал: «…Довольно облаков,
туманов, аквариумов и ароматов ночи, нам нужна музыка земная, музыка повседневная!..» Этот год некоторые
считают годом рождения модернизма в музыке.

Ранее всего модернистические тенденции проявились в творчестве немецких
композиторов-экспрессионистов — представителей новой венской школы (об этом чуть ниже). Во многом противостоял
романтической традиции и крупнейший композитор того времени Рихард Штраус (1864—1949). В музыке
Штрауса заметны черты натурализма. Он чрезмерно увлекался жизнеподобием и прямой имитацией, звукоподражанием. В его
музыкальных драмах «Саломея» (1905) и «Электра» (1909, на сюжет Гофвансталя) ощущается
воздействие декаданса. Но в 1911 г. появляется великолепная комическая опера «Кавалер роз». Будучи
вплоть до 1918 г. директором Берлинской оперы, композитор немало сделал для обновления ее репертуара.

Клод Дебюсси (1862—1918)

Итак, основателем импрессионизма в музыке стал французский композитор Клод Дебюсси (1862—1918).
Творческое наследие Дебюсси не очень обширно. Начал с сочинений, в которых чувствовалось влияние русской школы
Мусоргского, Римского-Корсакова. Но в таких произведениях, как «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны»
(1899), «Образы», опера «Пеллеас и Мелизанда» (1902), фортепианные пьесы, он выступает как
яркий новатор.

Три симфонические пьесы под общим названием «Ноктюрны» для скрипки с оркестром были
написаны для известного бельгийского скрипача Эжена Изаи, симфонический вариант был закончен в 1899 г. К первому
исполнению, в 1900 г. автор написал комментарий, где подчеркнул, что под ноктюрном имеется в виду не привычная
форма, а впечатления и ощущения от света. К содержанию первой пьесы из цикла «Облака» композитор
написал: «Это вечный образ неба с медленно и меланхолично плывущими облаками, умирающими в серой дымке, нежно
оттененной белым светом.» (У Шарля Бодлера есть одноименное стихотворение в прозе, очень близкое к музыке
Дебюсси.) Вторая пьеса — «Празднества» — это движение, пляшущий ритм атмосферы с внезапными вспышками
яркого света, здесь также эпизод шествия (ослепительное и призрачное видение), проходящего сквозь праздник и
сливающегося с ним; но фон остается все время — это праздник, это смешение музыки со светящейся пылью, составляющее
часть общего ритма. Третья пьеса — «Сирены» — это море и его безгранично многообразный ритм; среди
посеребренных луной волн возникает, рассыпается смехом и удаляется таинственное пение сирен. Из этих
объяснений композитора видно, что Дебюсси создавал музыку утонченных образов, которой свойственны полутона
настроений, изысканность гармоний. Гармония его музыки возникала совершенно из другого звукоощущения, чем гармония
прежней музыки.

Народная музыка Австрии

В народной среде Австрии развивалась своя традиционная музыка. В наше время австрийцы много усилий тратят на её восстановление и новую трактовку.

4 века назад в народе в основном играли на волынке или шарманке, пока в начале XVIII века не появилась скрипка. Когда появились военные оркестры, то предпочтение стали отдавать духовым инструментам. Лишь в XX веке чаще стали играть на цимбалах и аккордеонах. Современные народные коллективы часто играют на тех инструментах, которые имеются в наличии, а сами музыканты не прочь сыграть экспромтом.

Особенно прославили австрийцев народные песни в стиле йодль – особое горловое пение, широко применявшееся в Альпах. Переливчатое, словно птичье, звучание голоса просто завораживает. Йодль полюбили не только в Австрии, но и во всём мире.