«Вальс-фантазия» 8
Кроме народно-жанрового симфонизма, Глинка заложил основу для развития лирико-психологического направления в русской инструментальной музыке. Создание «Вальса-фантазии» связано с глубокими личными переживаниями композитора. Это сочинение посвящено Екатерине Ермолаевне Керн, дочери воспетой Пушкиным Анны Петровны Керн. Круг образов роднит его с элегическими романсами и фортепианными пьесами (в частности, ноктюрном «Разлука»).
Ко времени Глинки вальс был общеевропейской бальной принадлежностью. Он означал не только определенный стандарт светскости, но еще и сферу личного общения, лирических настроений. Ведь недаром именно вальс, а не мазурка или менуэт, стал всеобщим демократическим танцем,самым популярным во всех слоях европейского общества.
У Глинки бытовой танецпоэтизируется. Его «Вальс-фантазия» – это и блестящая картина бала, и лирико-психологическая зарисовка. Воплощая лирический замысел, композитор ограничивается малым составом оркестра, с его прозрачным, камерно-интимным звучанием, соответствующим характеру мечтательной грусти.
Элегический тон задает тема-рефрен вальса, интонационно родственная каватине Гориславы из оперы «Руслан и Людмила» («Ужели мне во цвете лет…»). Двукратному проведению романсовой лирической интонации (c повышенной IV ступенью, тритоновым ходом, романсовыми вздохами, слабым окончанием) отвечает интенсивное развитие танцевального пунктира.Естественная неквадратность строения (трехтактовые фразы), идущая от народных корней, придает музыке «полетную» устремленность.
Форма вальса традиционно складывается из последовательности эпизодов («колен»), различных по музыке. В «Вальсе-фантазии» Глинки основной образ чередуется с более светлыми мажорными эпизодами, что придает всей форме сходство с рондо.
Тональный план сочинения ограничивается кругом родственных тональностей (h-moll, G-dur, D-dur).
И «Вальс-фантазия», и «Камаринская», и обе испанские увертюры указали русским композиторам путь симфонизации танца – народного или бытового городского. По первому пути пошли Даргомыжский, «кучкисты», по второму, прежде всего, Чайковский и Глазунов.
ранее была сочинена музыка к трагедии Кукольника «Князь Холмский» — увертюра, антракты и вокальные номера.
Среди главных впечатлений своего детства наряду с народными песнями Глинка называл крепостной оркестр дяди, который он «любил более всего». Этот интерес к оркестровой музыке не покидал композитора на протяжении всей жизни – показательно оркестровое мастерство его опер.
Соотношение тональностей напоминает об увертюре к «Руслану».
Глинка впервые применил оркестровые приемы, имитирующие народные инструменты.
без тромбона, труб и второго кларнета.
Например, в 7 вариации (вступает гобой) она звучит медленнее за счет укрупнения длительностей; начинается с затакта, как и свадебная. Еще большее сходство с первой (протяжной) темой обнаруживается в 10-й и 13-й вариациях, где развивается минорный вариант плясовой.
Используются доминантовый органный пункт, аккорды гармонического мажора (гармоническая субдоминанта даже оспаривает у тоники D-dur’а роль центра).
Интересно, что Глинка ни разу не использовал, казалось бы, очевидный прием контрастной полифонии, соединив обе темы в одновременности.
первоначально предназначался для фортепиано, в 1845 году был оркестрован, а в 1856 году – переоркестрован (теперь так и исполняется).
Единая цепь лирических образов характерна для танцевальных жанров эпохи романтизма (можно вспомнить «Приглашение к танцу» Вебера, вальсы Шопена и т.д.).
У Чайковского жанр вальса проходит «красной нитью» через оперное, балетное и симфоническое творчество.
Людвиг ван Бетховен
Еще один великий немец Людвиг ван Бетховен был важной фигурой романтически-классического периода. О нем знают даже те, кто вообще ничего не знает о классической музыке
Бетховен — один из наиболее исполняемых и уважаемых композиторов в мире. Великий композитор стал свидетелем грандиозных потрясений, произошедших в Европе и перекроивших ее карту. Эти великие перевороты, революции и военные противостояния нашли свое отражение в творчестве композитора, особенно симфоническом. Он воплотил в музыке картины героической борьбы. В бессмертных произведениях Бетховена вы услышите борьбу за свободу и братство людей, непоколебимую веру в победу света над мраком, а также мечты о свободе и счастье человечества. Один из самых известных и удивительных фактов его жизни — болезнь ушей переросла в полную глухоту, но несмотря на это композитор продолжал писать музыку. Он также считался одним из лучших пианистов. Музыка Бетховена удивительно проста и доступна пониманию самых широких кругов слушателей. Сменяются поколения, и даже эпохи, а музыка Бетховена по-прежнему волнует и радует сердца людей. Одна из его лучших работ — «Лунная соната»:
Литература[править]
- Ступель A., Беседа о симфонической музыке, Л., 1961
- Poпова Т., Симфоническая музыка, М., 1963
- Бобровский В., Симфоническая музыка, в кн.: Музыка XX века, ч. 1, кн. 1, М., 1976
- Симакова Н. А., К вопросу о разновидностях жанра симфонии Текст. / Н. А. Симакова // Вопросы музыкальной формы М.: Музыка, 1972. Вып. 2.-С. 261—285.
- Кюрегян Т. С., К систематизации форм в музыке ХХ века // Музыка ХХ века. Московский форум / Материалы междунар. науч. конференций. М., 1999
- Асафьев Б. В., Строительство современной симфонии, «Современная музыка», 1925, No 8
- Асафьев Б. В., Симфонизм как проблема современного музыкознания, Л., 1926.
- Асафьев Б. В., Симфония, в кн.: Очерки советского музыкального творчества, т. 1, М.-Л., 1947
- Альшванг А. А., Советский симфонизм. Муз. ун-т. Советская музыка. Вып. 4. М., 1945.
- Холопов Ю. Н., О понятии «симфонизм», в кн.: Б. В. Асафьев и совр. муз. культура, М., 1986.
- Соллертинский И., Исторические типы симфонической драматургии, в его кн.: Музыкально-исторические этюды, Л., 1956
- Vatielli P., Primizie del sinfonismo, «RMI», 1943, v. 47, p. 117—140
- Ulrich H., Symphonic music, N. Y., 1952
Опера «Свадьба Фигаро»
Опера создана в 1786 г. Сюжет основан на одноимённой комедии Бомарше. Она была написана в предреволюционной Франции и критиковала общественное неравенство, утверждая, что у каждого человека, независимо от его социального положения, есть право на собственное достоинство и счастье. По сюжету это была борьба между господином и его слугой. В Австрии, на родине Моцарта, эта пьеса была запрещена.
В речах Фигаро выражена мысль, близкая самому композитору: о превосходстве ума над знатностью и богатством. Именно это и привлекло его.
Либретто написал Лоренцо да Понте. Он несколько сгладил политическую остроту комедии, убрал некоторые обличительные сцены и заострил комедийные моменты. Получилась опера-буффа. Но Моцарт не был бы Моцартом, если бы не расширил рамки жанра буффа и, прикрываясь комедийной формой, придал опере серьёзный смысл.
Внешние приметы комического жанра остались, но на их основе автор создал комедию характеров. Произошло реформирование жанра оперы-буффа. Многие музыканты считают эту оперу величайшей и самой любимой. И не только музыканты, но и слушатели.
Интересные факты:
- премьера «Свадьбы Фигаро» прошла в мае 1786 г. в Вене под управлением автора. Успех был огромным, но начались интриги, и уже на следующий год оперу сняли с репертуара;
- однако её поставили в Праге, там она горячо была принята;
- на русский язык текст либретто перевел П.И. Чайковский специально для ученического спектакля в Московской консерватории. Моцарт был его любимым композитором.
Опера «Притворная простушка»
Эту оперу, созданную Моцартом в 12 лет, едва ли можно назвать его знаменитым произведением. Может быть, её известность заключается именно в возрасте композитора.
Это комическая опера (опера-буффа), она создана около 1768 г. Либретто написано К. Гольдони, сюжет её, основанный на любовных интригах, незамысловат и грубоват, но музыка юного гения полна изящества и очарования. Именно поэтому известные, но завистливые венские музыканты всячески мешали постановке его оперы – они видели в одарённом мальчике своего соперника.
Её первое исполнение состоялось в Зальцбурге лишь через год, а затем она была забыта. Опера вернулась на сцену в 1921 г.
Опера «Дон Жуан, или Наказанный развратник»
Опера и симфония были любимыми жанрами Моцарта в его универсальном творчестве. Он признавался, что готов плакать, когда слышит оперную арию. Первая опера была им создана в возрасте 10 лет. В последний, венский период, он написал 6 опер, среди которых и «Дон Жуан».
Всё, что создано Моцартом, находится в рамках жанра, но он постоянно эти рамки расширял, обновлял, дополнял, преодолевал традиции. Это касается и оперы. Оперное творчество Моцарта обширно и разнообразно.
Традиционные оперные жанры совершенно преобразились в творчестве Моцарта, хотя целей реформировать оперу у него не было. «Свадьба Фигаро» стала первой комедией характеров. Опера «Дон Жуан» – психологической музыкальной драмой, получившей дальнейшее развитие в XIX в. Он не разделял жанры на «высшие» и «низшие», а смешивал в своих произведениях возвышенное и земное, трагическое и комическое – так фактически и бывает в реальной жизни.
В основе оперы – средневековая испанская легенда о «наказанном развратнике» Дон Жуане. Это один из самых популярных сюжетов в истории мирового театра
Он привлекал внимание многих поэтов и драматургов, в том числе Мольера и Пушкина
Моцарт использовал этот сюжет как повод для постановки проблемы личности. В герое воплощены противоречивые качества: отвага, оптимизм, энергия, жизнелюбие – и эгоизм, презрение к морали и законам чести. Он живёт по своим собственным законам и становится причиной несчастья для всех, кто встречается на его пути. Его гибель воспринимается как предостережение всем развратникам.
Опера написана и поставлена на сцене Пражского театра в 1787 г. Автор либретто – Лоренцо да Понте. Создано по пьесе Антонио де Саморы.
Музыка оперы Моцарта – шедевр мирового оперного искусства.
Разновидности симфонии
Это интересно:
Классическая симфония – этомузыкальное произведение в сонатной циклической форме, предназначенное для исполнения симфоническим оркестром.
В симфонию (помимо симфонического оркестра) может быть включён хор и вокал. Существуют симфонии-сюиты, симфонии-рапсодии, симфонии-фантазии, симфонии-баллады, симфонии-легенды, симфонии-поэмы, симфонии-реквиемы, симфонии-балеты, симфонии-драмы и театральные симфонии как разновидность оперы.
Симфонический оркестр
В классической симфонии обычно 4 части:
первая часть – в быстром темпе (аллегро), в сонатной форме;
вторая часть – в медленном темпе, обычно в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты;
третья часть – скерцо или менуэт — в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A);
четвёртая часть – в быстром темпе, в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты.
Но бывают симфонии и с меньшим (или большим) количеством частей. Существуют и одночастные симфонии.
Программная симфония – это симфония с определенным содержанием, которое изложено в программе или выражено в названии. Если в симфонии присутствует название, тогда данное название и является минимальной программой, например, «Фантастическая симфония» Г. Берлиоза.
Симфония № 36 до мажор («Линцская»)
Моцарт и Гайдн считаются основоположниками европейской симфонии. Композитор обратился к этому жанру тогда, когда он ещё не сформировался в том виде, каким знаем его мы. А первые свои симфонии он написал в возрасте 8 лет. Бо́льшая часть его симфоний написана в ранние годы. Наивысшим достижением Моцарта в этом жанре стали 3 последние симфонии.
«Линцская» симфония появилась в 1783 г. Моцарт уже был прославленным музыкантом, но это не дало ему материального благополучия. Он покинул придворную капеллу, где чувствовал себя слугой у заносчивого архиепископа Зальцбургского, женился на Констанции Вебер и решил поселиться в Вене, рассчитывая на успех. Но успеха не случилось, зато испортились отношения с отцом, который был против его женитьбы и против его ухода со службы.
Летом 1783 г. Моцарт с Констанцией поехал к отцу в Зальцбург с целью примирения, а на обратном пути заехал в австрийский город Линц. Здесь во дворце графа Туна была сочинена и исполнена под его управлением в ноябре этого же года симфония № 36.
Она состоит из 4 частей:
- adagio (медленно), allegro spiritoso (весело, с юмором);
- poco adagio (достаточно медленно);
- menuetto (в форме менуэта);
- finale presto (очень быстро).
Первая, вторая и четвёртая части написаны в сонатной форме. В финале разворачивается картина праздничного веселья.
Критерии соответствия[править]
Хотя в большинстве случаев симфоническая музыка действительно предназначена именно для исполнения симфоническим оркестром, но, тем не менее, симфоническими по своей идейно-содержательной значимости, структуре формообразования и специфике композиционного развития могут быть также и музыкальные произведения, написанные для каких-либо иных составов исполнителей, вплоть до малых струнных или духовых ансамблей, как и для отдельных солирующих инструментов (например, в случае органных симфоний, фортепианных симфонических этюдов, вариаций и т. д.) или (в случае вокальных симфоний) хоров a cappella.
С другой же стороны, далеко не всякая музыка, написанная или переложенная для исполнения симфоническим оркестром, является по своим внутренним свойствам и качествам музыкой заведомо симфонической.
Симфоническую музыку часто связывают также и с сонатно-циклической формой, которая являлась нормативной для композиторов прошлых веков, но для той симфонической музыки, которую пишут композиторы современные, эта форма свою прежнюю актуальность уже давно утратила. Симфонические качества того или иного музыкального произведения характеризуются сегодня не сводящейся к какой-либо устоявшейся «классической» схеме сложной внутренней организации музыки, связанной с непрерывной процессуальностью формообразования, сквозной драматургией, нетривиальностью полифонической фактуры, присутственной звукописью и т. д.
Если же вспомнить о том, что в понятии «симфоническая музыка» имя прилагательное «симфоническая» происходит от греческого слова syn-phonía, которое этимологически означает «созвучие» (sýn — «вместе» и phone — «звук»), то, поскольку применительно к монументальным жанрам музыки понятие «созвучие» ассоциируется с согласованным звучанием многих различных тембров и голосовых партий, важнейшими признаками симфонической музыки следует считать колористическую широту звучания, то есть её богатую тембральную палитру, которая, в рамках акустической (но не электронной) музыки, свойственна, в первую очередь, именно произведениям, написанным для большого симфонического оркестра.
В этой связи, конечно, произведения, написанные для хора a capella, фортепиано, каких-либо иных сольных инструментов или малых инструментальных ансамблей (струнных, духовых) называть «симфоническими» можно лишь с определённой степенью условности, исходя из одного только сугубо идеологического (идейно-философского) аспекта асафьевского определения «симфонизм». Единственное исключение здесь составляет симфонический орган, хотя с большим симфоническим оркестром и он тоже способен конкурировать только лишь по количеству тембров (богатству колористической палитры) и размаху звучания (динамическому диапазону), но не по количеству одновременно звучащих независимых партий.
Таким образом, мы приходим к заключению, что в рамках акустической традиции симфоническая музыка в самом полном значении этого понятия должна исполняться симфоническим оркестром, в то время как любая другая музыка, написанная для более скромных составов исполнителей, может быть достаточно условно отнесена к симфонической лишь благодаря глубине своего идейно-философского содержания и процессуальности развития. Такую музыку Арам Энфи предлагает называть «условно симфонической» или «квазисимфонической».
Как мы видим, с помощью подобного комплексного подхода этимологическое значение слова «симфония», на основании которого утвердилось понимание термина «симфоническая музыка» в западной музыковедческой традиции, органичным образом согласовывается с асафьевским определением понятия «симфонизм».
Источники[править]
- Определение симфонической музыки в Современной энциклопедии, Большой советской энциклопедии, Музыкальной энциклопедии, Большом Энциклопедическом словаре, Энциклопедическом словаре.
- Хорошим примером симфоничности звучания оркестра русских народных инструментов могут служить написанные для этого оркестра произведения композитора И. М. Красильникова
- В качестве хорошо известного примера здесь можно привести предназначенные для исполнения на фортепиано соло «Симфонические этюды» Роберта Шумана (XII Études Symphoniques, Op. 13).
- При этом частица «квази» здесь означает «близко», «подобно» и не обладает тем уничижительно-пренебрежительным оттенком, который имеет частица «псевдо».
Соната для фортепиано № 11 ля мажор
Соната состоит из 3 частей:
- andante grazioso (спокойно, размеренно, грациозно);
- menuetto (в форме менуэта, старинного французского танца, с середины XVII в. – бального);
- alla turca (в турецком стиле).
Сонатная форма была композиционно оформлена в конце XVIII в. в творчестве композиторов венской классической школы: Й. Гайдна, В.А. Моцарта и Л. Бетховена.
И хотя Моцарт начал сочинять сонаты довольно рано, ещё будучи вундеркиндом, зрелые произведения этой формы относятся к возрасту 19-20 лет. Они написаны для клавира и в ту пору не считались концертным жанром – создавались для домашнего музицирования, а также для педагогического репертуара. Всего им создано 18 сонат. Сейчас они исполняются на концертной эстраде.
Соната опубликована в 1784 г., но написана, скорее всего, намного раньше.
Моцарт обладал даром импровизации, форма вариаций была ему близка, поэтому часто сонаты строились на вариациях – первая часть сонаты № 11 полностью создана в этой форме.
Турецкий марш
Третья, заключительная часть сонаты – рондо в турецком стиле. Она больше известна как «Турецкий марш», очень узнаваема и из всех знаменитых произведений композитора, пожалуй, самая знаменитая.
Почему Моцарт назвал эту часть сонаты «Rondo alla turca»? Что общего было у австрийского композитора с Турцией? Янычарская музыка в то время была популярна в Европе. Если раньше, во время нашествия османов на Европу в середине XVII в., их военная музыка считалась варварской, то в начале XVIII в. она становится модной. Музыка исполнялась военным оркестром янычар (пехота вооружённых сил Османской империи). В состав оркестра входили большой барабан, небольшие барабанчики, тарелки, медные трубы, деревянные духовые музыкальные инструменты шалмеи, ударно-шумовой музыкальный инструмент турецкий полумесяц, или бунчук.
Интересные факты
- На турецкую тему Моцарт создал и другие произведения: оперу «Похищение из сераля» и Концерт для скрипки № 5 («Турецкий концерт»).
- Янычары не ходили строем под музыку, не маршировали. Она вдохновляла их перед боем и во время его.
- В Турции Моцарт – один из самых любимых классических композиторов.
- В Стамбуле проводится ежегодный музыкальный фестиваль имени Моцарта.
- Музыка «Турецкого рондо» в школах звучит звонком на урок и с урока.
- «Rondo alla turca» исполняется на правительственных приёмах в Турции.
- Музыка Сонаты № 11 использована в 17 кинофильмах, мультфильмах, компьютерной игре Civilization (1991).
- Существует джазовая версия «Турецкого рондо» (автор – Бенни Гудмен, 1970).
- Переложения и аранжировки этого шедевра звучат в исполнении различных инструментов, рок ансамблей, хоров и симфонических оркестров.
Музыка «Турецкого рондо» отличается бодростью, жизнерадостностью, торжественностью и в то же время изящностью.
Лучшие произведения Чайковского
Увертюра 1812г.
1812 увертюра (1880), самая известная работа Чайковского, рассказывает о поражении Наполеона в руках русской армии, через «Марсельезу» и «Российский Императорский гимн», заканчивалась в величественном празднике канонады. Это один из лучших примеров того, как Чайковский был мастером оркестровки, и одно из лучших произведений Чайковского.
Щелкунчик
Ни одному другому композитору не удавалось так неподражаемо запечатлеть сказочный мир детской невинности, как Чайковскому в этой самой дорогой из трех его великих балетных партитур. Название балета происходит от рассказа, написанного в 1814 году немецким писателем-фантастом Хоффманном, в котором любимый рождественский подарок молодой девушки, щелкунчик, оживает в образе красивого принца, который уносит ее в страну сладостей.
Лебединое озеро
«Лебединое озеро» , пожалуй, величайший из романтических балетов и одно из лучших произведений Чайковского. Первоначальная версия балета « Лебединое озеро» , премьера которой состоялась в Москве в 1877 году, потерпела неудачу, и только после возрождения 1895 года с хореографией Мариуса Петипа и Льва Иванова балет окончательно покорил российскую публику. «Лебединое озеро» сейчас обожают дети и взрослые, и это самый часто исполняемый балет в мире.
https://youtube.com/watch?v=tUy8xUyHj5o
Спящая красавица
«Спящая красавица» , основанная на вечной сказке, – один из самых любимых балетов в мире. Сияющая вдохновенная музыка Чайковского отражала его удовлетворенное состояние в то время, и он заявил: «Тема настолько поэтична, что я очень увлекся, сочиняя ее!» К сожалению, Чайковский не прожил достаточно долго, чтобы стать свидетелем мгновенного успеха «Спящей красавицы» за пределами России.
Концерт для фортепиано с оркестром No 1
Первая версия Концерта № 1 для фортепиано с оркестром подверглась резкой критике со стороны Николая Рубинштейна, желанного пианиста Чайковского, который заявил: «Только две или три страницы стоит сохранить; остальное нужно выбросить! » Однако концерт сразу же имел успех на премьере в исполнении Ганса фон Бюлова и считается одним из самых популярных когда-либо написанных концертов.
Евгений Онегин
«Евгений Онегин» , самая любимая опера Чайковского, основана на одноименном романе Пушкина. Естественная симпатия Чайковского к ситуации «Евгения Онегина», сложившаяся примерно во время провального брака композитора, вдохновила его на новые оперные высоты самовыражения.
Симфония “Манфред”
Созданная на основе повествования знаменитого стихотворения лорда Байрона, Симфония Манфред остается самым необъяснимым шедевром Чайковского, несмотря на ее глубокое оркестровое и структурное мастерство.
Симфония № 6 «Патетическая»
Симфония № 6 Чайковского , «Патетическая» , – один из величайших симфонических шедевров всех времен. Это было последнее произведение композитора – премьера симфонии состоялась 28 октября 1893 года, за девять дней до его смерти, – и это произведение навсегда связано с трагедией его внезапной смерти. От дикой силы вступительной части до непостижимого отчаяния финала, ни один эмоциональный камень не оставлен без внимания в этом самом эмоционально истощающем из всех произведений Чайковского.
Ромео и Джульетта Увертюра-Фантазия
Чайковский был глубоко вдохновлен Шекспиром, а фантазия-увертюра «Ромео и Джульетта» основана на одноименной пьесе Шекспира. Композитор Милий Балакирев с самого начала признал особые качества ранней концертной увертюры Чайковского: «Это ваше первое произведение, которое действительно привлекает к себе во всей своей красоте».
Серенада до мажор для струнных
Мастерство Чайковского сочинять и сочинять для балетного театра выходит на первый план в этой великолепной Серенаде. Сейчас она считается одной из самых ярких композиций эпохи позднего романтизма.
Это были лучшие произведения Чайковского.
5 680
Соната для фортепиано №8, op. 13, «Патетическая»
Многие именитые музыковеды называли это знаменитое произведение «эстетическим манифестом» и «художественной декларацией, написанной с вызывающей демонстративностью». Если абстрагироваться от столь возвышенных понятий и просто слушать, то вы просто получите удовольствие.
Примечательна композиция и тем, что именно в момент ее создания Бетховен стал замечать первые симптомы развивающейся глухоты. На тот момент ему было всего 29 лет, и для музыканта это стало большим ударом.
Ходят слухи, что он даже хотел покончить с музыкой после «Патетической сонаты», но все же нашел в себе силы продолжать, не отступив от задуманного даже после того, как болезнь начала прогрессировать.
Бетховен – Симфония № 6
Яков Кацнельсон, пианист
Эта симфония интересна тем, что раскрывает для многих новое лицо Бетховена, не борющегося и героического, а совершенного иного.
Яков Кацнельсон. Фото – Ирина Шымчак
Именно в “Пасторальной” симфонии запечатлена квинтэссенция его второго я: ярко выраженный пантеизм, дионисийское начало, слияние с природой и в меньшей степени развитие конфликтов и коллизий, хотя, конечно, и они присутствуют здесь, как и в любом другом сочинении Бетховена.
Он написал Шестую симфонию уже после “Гейлигенштадского завещания” и моментов жуткого отчаяния в жизни. Первая его симфония была окончена в 1800 году, когда композитору исполнилось 30 лет. “Пасторальная” появилась восемь лет спустя.
Для Бетховена очень несвойственно такое программное сочинение. Каждая часть имеет свой заголовок: первая – “Радостные чувства по прибытии в деревню”, вторая – “Сцена у ручья”, третья – “Веселое сборище поселян”, четвертая – “Гроза. Буря”. Завершает все “Пастушья песня”, где слышатся переклички альпийский горнов. В этой части присутствует особый дух, который сложно описать словами. Музыка же всей симфонии отличается особенной интимностью.
Впервые я услышал ее в записи в исполнении Отто Клемперера. Ну и конечно, Бетховен Вильгельма Фуртвенглера остается самым любимым и непревзойденным по свойственному этому дирижеру особому дыханию и музыкальному времени. Его исполнение рождает во мне удивительное детское ощущение – словно тебя подхватывают на руки и куда-то уносят, в том числе и от самой симфонии Бетховена.
В одиннадцать лет я слушал “Пасторальную” в Барселоне, где играл Лейпцигский оркестр с Куртом Мазуром за дирижерским пультом. Помимо Бетховена в программу была включена и Первая симфония Малера, что тоже произвело меня меня сильное впечатление.
Л. ван Бетховен, Симфония №6 фа мажор, “Пасторальная”. Берлинский филармонический оркестр, дирижер Вильгельм Фуртвенглер:
На эту тему:
И чтец, и игрец, и «Мрачный жнец»: carpe diem, memento mori
Зрительница спешила поблагодарить артистов и упала в оркестровую яму
17 декабря — день рождения выдающегося трубача Вениамина Марголина
Родион Щедрин станет первым обладателем Медали Чайковского
Опера семи звезд: «Гугеноты» продолжают звучать в Мариинском
Предновогодняя премьера Мариинского театра — опера Моцарта «Волшебная флейта»
Серенада №13 («Маленькая ночная серенада») соль мажор
Это одно из самых известных и наиболее популярных произведений гениального композитора.
Серенада была написана в 1787 г., предположительно на заказ. Иногда Моцарт сочинял заказные работы, лёгкую развлекательную музыку для придворных балов или для вечерних (ночных) концертов на открытом воздухе. Серенада в то время была очень популярна.
Исполняли серенады и оркестры в дворцовых парках, и тогда звуками музыки наполнялись все окрестности.
Слово «маленькая» в названии серенады соответствует её объёму – всего 4 части: аллегро, романс, менуэт и рондо. «Маленькая ночная серенада» является образцом лёгкого жанра классической музыки, она полна грации, жизнелюбия, лёгкости и непринуждённости.
Шуберт – Симфония № 9
Антон Сафронов, композитор
Самая моя любимая из симфоний – Большая симфония Шуберта до мажор.
Мне она особенно дорога тем, как в ней сменяют друг друга самые разные, порой совершенно противоположные настроения, доходя до острейших столкновений между собой.
Антон Сафонов. Фото – facebook.com/mosfilarmonia
Вся симфония построена на одной музыкальной идее – и из нее вытекают все основные события. Они разворачиваются неторопливо и переживаются, как сама жизнь – с ее парадоксальностью, мощными ликующими кульминациями и трагическими срывами.
Это первая в мировой музыке симфония, столь протяженная и эпическая по ощущению времени. Если играть ее в тех темпах, которые указал композитор, и выполнять все предписанные им повторы, то она должна звучать немногим больше часа.
Необычно и ново уже само ее начало: одна-единственная мелодия у солирующих валторн подчеркнуто архаического склада. Настоящее откровение – вторая часть, фаталистическая и щемяще-ностальгическая, с отчаянной трагической кульминацией. В следующих двух частях – скерцо и финале – раскрываются стихии венского вальса и марша, доходя до вселенского масштаба. Заключительный эпизод (кода) финала – самое захватывающее и любимое мое место в симфонии! – звучит как напряженное “взятие барьера за барьером”, всякий раз приводящее ко все большему и большему ликованию.
Я люблю исполнения Большой симфонии Шуберта как “традиционалистами”, так и “аутентистами”. Из первых мои любимые дирижеры – Гюнтер Ванд и Сержу Челибидаке. У Ванда – небывалая по совершенству работа над звуком, благородство и теплота, которой так не хватает многим исполнителям “новой” школы.
У Челибидаке – сильнейшее эпическое прочтение, потрясающая мощь кульминационных волн. У “аутентистов” прозрачнее (и потому богаче) звучит партитура. Кроме того, они опираются на новые уртекстные издания, в которых исправлены многие неточности. Очень люблю Николауса Арнонкура – его запись 1990-х годов с амстердамским Королевским оркестром Консертгебау. Одно время я был просто без ума от Роджера Норрингтона – его исполнения с London Classical Players, очень сильного по энергетике темпов и “аналитичного” по трактовке материала.
Но сейчас меня больше убеждает Марк Минковски с оркестром Les Musiciens du Louvre – запись, сделанная уже в нашем десятилетии (2012).
В упомянутой мной коде финала симфонии он выводит на первый план не столько мелодическую линию духовых, сколько энергию ритмических формул у струнных – и это создаёт потрясающую силу развития (в записи на ютюбе слушать с 43:00).
Тем не менее, ни одно из этих исполнений не идеально в моём понимании того, как должны трактоваться авторские темпы. Ближе всего к нему – исполнение Карло Мария Джулини с Оркестром Парижа (1990). Но оно, увы, несколько однопланово по звучанию. Эх, был бы я дирижером!..
Ф. Шуберт, Симфония №9 до мажор. Оркестр Les Musiciens du Louvre, дирижер Марк Минковски:
https://youtube.com/watch?v=hqcUAItc3n8
Реквием
Это последнее произведение гениального композитора. Оно было создано в 1791 г. Моцарт уже болел, был очень слаб.
Однажды июльским вечером одетый во все черное незнакомец пришёл к нему и заказал Реквием.
Моцарт принял заказ и сразу же начал работу – он очень нуждался в деньгах. Но его преследовала мысль, что Реквием он пишет для себя. Несмотря на плохое самочувствие, он напряжённо работал, и в начале декабря окончил Lacrimosa. Вечером 4 декабря друзья собрались спеть её. Моцарт должен был исполнять партию альта. Носдержать своих чувств не смог и разрыдался. На следующий день он умер.
Им написан ещё один номер – Hostias. Остальные части Реквиема дописаны Ф. Зюсмайером, его учеником.
Реквием состоит из 12 частей, это обычное католическое богослужение: мольба о даровании покоя, спасении души и т.д.
Какое произведение Моцарта у вас самое любимое?
Соната для фортепиано № 11 ля мажор 25%
Турецкий марш 0%
Симфония № 36 до мажор («Линцская») 0%
Опера «Дон Жуан, или Наказанный развратник» 0%
Серенада №13 («Маленькая ночная серенада») соль мажор 0%
Опера «Волшебная флейта» 12.5%
Концерт для фортепиано с оркестром №21 до мажор 0%
Симфония № 40 соль минор 25%
Квинтет для кларнета и струнных ля мажор 0%
Опера «Притворная простушка» 12.5%
Опера «Свадьба Фигаро» 0%
Реквием 25%
Симфония № 41 до мажор («Юпитер») 0%
Проголосовало: 8
