Музыка германии сообщение кратко

Введение

В конце 19 начале 20 века в немецкой музыкальной культуре еще были сильны традиции Вагнера и Брамса. Тем не менее, это время отмечено исканиями новых путей. В музыке переплетаются течения неоклассицизма, экспрессионизма и неоромантизма. Нередко признаки всех этих влияний можно проследить в творчестве одного и того же композитора. К самым талантливым композиторам этого периода относятся Рихард Штраус, Макс Регер, Пауль Хиндемит.

В 20 – 30 годы двадцатого столетия в музыкальной культуре Германии наступает расцвет исполнительского искусства. В многочисленных концертных залах и оперных театрах выступают крупнейшие певцы, инструменталисты, дирижёры: Бруно Вальтер, Вильгельм Фуртвенглер, Отто Клемперер, пианисты Вальтер Гизекинг, Артур Шнабель.

Но в годы фашизма многие выдающиеся музыканты и композиторы вынуждены были покинуть Германию.

Сейчас в Германии работают: оркестр Баварского радио, оркестр Берлинской филармонии, Гамбургская опера, Берлинская опера, Дрезденская Штатскапелла и другие коллективы.

Гордостью немецкого искусства стали дирижёры: Герберт фон Караян, Карлос Клайбер, Рафаэль Кубелик, певцы: Дитрих Фишер-Дискау, Элизабет Шварцкопф, пианист Вильгельм Кемпф и другие.

Морис Равель (1875—1937)

Вторым замечательным представителем музыки импрессионизма был французский композитор Морис Равель
(1875—1937). Его музыка отличается большей, чем у Дебюсси, энергией и динамикой. Недаром так велики его достижения в
жанре балета. Его «Болеро» и «Вальс» называют симфоническими поэмами танца.

Две характерные черты творчества Равеля сказались в «Болеро»: любовь к танцу и глубокий интерес к
испанской музыке. «Болеро» представляет собой одну цепь непрерывного динамического нарастания. «Чудом
композиторского мастерства» назвал С. Прокофьев эту балетную пьесу.

Расцвечивая тему бесконечно меняющимися красками, излагая ее в «Тысячах различных нарядов» (С.
Прокофьев), Равель виртуозно использовал возможности современного оркестра, создав ослепительно инструментованное
произведение.

Гротесковое начало проявилось в таких вещах Равеля, как опера-буфф «Испанский час» (1907) и
хореографическая поэма «Вальсы» (1920). Это сближает Равеля с экспрессионистами.

Равель смог найти свою индивидуальную манеру высказывания, еще более расширить звукоизобразительные колористические
возможности музыки. Красочность и живописность его музыки никогда не заслоняла содержания. От
мечтательно-поэтической музыки Дебюсси его музыка отличалась ослепительной яркостью и броскими красками испанского
фольклора. Одной из вершин его творчества явился балет «Дафнис и Хлоя», написанный в 1909 г. по заказу
С. Дягилева для выступлений в Париже русской балетной труппы.

Людвиг Ван Бетховен

Многие немецкие композиторы были приверженцами венской классической школы. Самая яркая фигура из них — Людвиг Ван Бетховен. Он писал музыку всех жанров, которые существовали в то время, когда он жил. Сочинял он даже произведения для драматических театров. Л.Бетховен — композитор, чьи произведения исполняются всеми музыкантами мира. Наиболее значимыми считаются инструментальные произведения Л.Бетховена.

Родился композитор в 1770 году. Он был сыном певца придворной капеллы. Отец хотел воспитать сына вторым В.Моцартом и обучал его игре сразу на нескольких музыкальных инструментах. В возрасте 8 лет Людвиг впервые вышел на сцену. Вопреки ожиданиям отца, Л.Бетховен не стал чудо-мальчиком, каким был Вольфганг Амадей Моцарт. Когда будущему великому композитору было 10 лет, отец перестал самостоятельно заниматься его обучением, у мальчика появился настоящий педагог — композитор и органист — К.Г.Нефе. Преподаватель сразу разглядел в Л.Бетховене талант. Он многому научил юношу, познакомил его с творчеством великих на тот момент композиторов. Л.Бетховен выступал перед В.А.Моцартом, и тот высоко оценил его талант, высказав уверенность в том, что Людвига ждёт большое будущее, и он еще заставит мир говорить о себе. В возрасте 34 лет композитор стал глухим, но продолжал писать музыку, поскольку у него был прекрасный внутренний слух. У Л.Бетховена были ученики. Один из них — знаменитый композитор Карл Черни. Скончался Л.Бетховен в возрасте 57 лет.

Джеймс Ласт

Известный немецкий композитор Джеймс Ласт родился в Бремене в 1929 году. Его настоящее имя Ганс. Он работал в жанре джаза. Впервые Джеймс ввступил на сцене в 1946 году в составе оркестра бременского радио. Через 2 года он создал свой ансамбль, которым руководил, с ним же и выступал. В 50-е годы 20 века Ласт считался лучшим джазовым басистом. В 1964 году Джеймс создал свой собственный оркестр. Он занимался аранжированием популярных в то время мелодий. Первый альбом композитор выпустил в 1965 году, после чего было ещё 50. Они расходились миллионными тиражами. Восемнадцать дисков стали платиновыми, 37 — золотыми. Джеймс Ласт создавал аранжировки для авторов и исполнителей, работавших в совершенно разных музыкальных жанрах от народной музыки до хард-рока. Умер композитор в США в июне 2015 года.

Семидесятые: Берлин и Дюссельдорф

Шенберг эмигрировал в США еще в 1933 году и успел воспитать там целую плеяду американских авангардистов. Однако лучшие из них стали известны музыкой, во многом противоположной атональным изобретениям немецкого гения. В 1950–1960-х на обоих берегах Северной Америки появился минимализм: эксперименты с магнитофонами, растянутые в бесконечности аккорды и повторение как центральный эстетический принцип. Ла Монт Янг, который был похож больше на гуру, чем на классического композитора, устраивал многочасовые импровизации под мескалином, играя одни и те же ноты. Он учился у личного ассистента Шенберга, но по-настоящему его вдохновляли вводящие в транс раги и мантры.

Другой американский минималист и почитатель традиционной индийской музыки — Терри Райли — осваивал в сан-францисском Центре электронной музыки технику закольцованной магнитофонной пленки, которую Штокхаузен применял в Kontakte. Для записи своего второго альбома A Rainbow in Curved Air (1969) он использовал дарбуку, бубен, электрические орган и пианино. Несмотря на довольно консервативный выбор инструментов (по меркам кельнских экспериментов), звучание получилось футуристичным — в воображении возникает образ мигающего всеми цветами бортового компьютера на космическом корабле.

Подобный минимализм, смешавшись с контркультурой хиппи, бибопом и психоделическим роком Jefferson Airplane и Grateful Dead, начал распространятся по Европе. Немецкая реакция на эту химеру — kosmische musik («космическая музыка»). В мире это явление благодаря британским журналистам станет известно как краут-рок.

Если остальная Европа в 1970-х генерировала технически совершенный и сложный прогрессив-рок, то немцы растворились в длинных импровизациях, в которых смешали этнику, фанковые ритмы, психоделические гитары, удовольствие от медитативной зацикленности и уже ставшие местной традицией авангардные электронные эксперименты. В Кельне появились Can, там же двое участников этого коллектива некоторое время учились у Штокхаузена. Практически одновременно с дюссельдорфской группой Neu! они придумали «моторик» — минималистичный ритмический паттерн, который впоследствии породит пресловутую монотонность поп-рока и электронных «туц-туц-туц». Сегодняшняя банальность этого звучания лучше всего говорит о том, насколько фундаментальным оказалось творчество немецких музыкантов этого периода для популярной музыки второй половины XX века.

Модернизм в музыке

Музыкальные пейзажи импрессионистов остаются непревзойденными по тонкости и изысканности красок, по существу столь же
характерными для французской художественной культуры.

Поколение французских композиторов, выступавших вслед за импрессионистами (уже после первой мировой войны) — А.
Онеггер, Д. Мийо, Ж. Оик, Ф. Пуленк и другие — отвернулось от своих предшественников, их утонченность и изысканность
оказались не соответствующими новому времени. А в 1918 г. увидела свет книга Жана Кокто «Петух и Арлекин».
Ее автор — известный в то время французский поэт, художник и музыкальный критик — писал: «…Довольно облаков,
туманов, аквариумов и ароматов ночи, нам нужна музыка земная, музыка повседневная!..» Этот год некоторые
считают годом рождения модернизма в музыке.

Ранее всего модернистические тенденции проявились в творчестве немецких
композиторов-экспрессионистов — представителей новой венской школы (об этом чуть ниже). Во многом противостоял
романтической традиции и крупнейший композитор того времени Рихард Штраус (1864—1949). В музыке
Штрауса заметны черты натурализма. Он чрезмерно увлекался жизнеподобием и прямой имитацией, звукоподражанием. В его
музыкальных драмах «Саломея» (1905) и «Электра» (1909, на сюжет Гофвансталя) ощущается
воздействие декаданса. Но в 1911 г. появляется великолепная комическая опера «Кавалер роз». Будучи
вплоть до 1918 г. директором Берлинской оперы, композитор немало сделал для обновления ее репертуара.

Русская музыка 19 века — история, имена, характеристика

Первый период в отечественной музыкальной истории — это «до – глинкинская» эпоха

В начале века в русской музыке царило смешение двух стилей – классицизма и романтизма. В первой половине 19 столетия произошли такие масштабные для России события, как Отечественная война, восстание декабристов; в обществе распространялись идеи Великой Французской революции, произошедшей незадолго до этого. Все это не могло не отразиться на культуре страны. В литературе появляются М.Ю. Лермонтов, В.Ф. Одоевский, в живописи – О.А.Кипренский и К.П. Брюллов. В музыкальной культуре России 19 века также слышны отголоски романтизма, который по-настоящему захлестнет страну с приходом М.И. Глинки.

Основные жанры и направления

Самыми популярными течениями в русской музыке 19 века были:

«городская» песня. Окончательно сформировывается к 19 веку. Чаще всего такие песни рождались из простой гитарной импровизации безымянных любителей на стихи поэтов (например, «Вечерний звон», «Чем тебя я огорчила»).
запись и обработка народных напевов. В конце 18 века В.Трутовский выпустил сборник русских народных песен. Ими заинтересовались практически все жители столицы, после чего стало появляться множество музыкальных произведений в народном стиле («Вьется ласточка сизокрылая»).
камерно-вокальная музыка с примесью русского фольклора, исполняемая на музыкальных домашних вечерах. Под влиянием романтизма появляется русский романс (особенно популярны были романсы А.А. Алябьева («Соловей») и А.Е. Варламова («Ах, ты, время-времечко», «Вдоль по улице метелица метёт»)) и созданный на его основе цыганский романс, в котором не требовался профессиональный вокальный голос и замысловатый аккомпанемент (например: «Твои глаза зелёные»).

Также был ещё жив такой музыкальный жанр, как водевиль – легкая пьеса с куплетами. В музыкальной культуре России «до-глинского» периода были особенно популярны водевили:

А.А. Шаховского («Любовное зелье», «Беглец от своей невесты»)
Ф.В. Булгарина («Разговор в царстве мёртвых», «Похождения Митрофанушки на Луне»),

однако каждый молодой дворянин считал своим долгом сочинить хотя бы раз в своей жизни водевильную пьеску для бенефиса какого-нибудь актера.

В театрах исполнялись преимущественно итальянские и французские оперы. В русской опере преобладали былинные мотивы; однако уже было заметно влияние романтизма (А.Н. Верстовский, например, часто использовал в своих произведениях романтические сюжеты – обращение к эпохальному прошлому).

Экспрессионизм в музыке

Проведенная веристами оперная реформа доказала свою плодотворность в последующем развитии музыкально-драматического
искусства в Европе.

Главной болезнью XX в. стала утрата положительного идеала. Как и в искусстве, так и в музыке нередко образы зла и
разрушения показаны более ярко, чем силы добра и созидания. Это сказалось в творчестве и Густава Малера, оказавшего
сильное влияние на искусство XX в. Одно из самых замечательных его произведений — вокально-симфоническая «Песнь
о земле», полна глубокой безысходной печали, печали прощания с жизнью. Показательна уже первая фраза, которая
могла бы стать эпиграфом: «Жизнь темна, темна и смерть». В начале XX в. для немецких композиторов было
характерно увлечение экспрессионизмом — стремление к обостренной, преувеличенной выразительности. В этой области
искали Арнольд Шенберг (1874—1951), Альбан Берг (1885—1935), Антон фон Веберн (1883—1945) и другие представители
новой венской школы.

«Печаль становится обреченностью, депрессией, отчаяние превращается в истерию, лирика
кажется разбитой стеклянной игрушкой, юмор становится гротеском… Основное направление — крайняя боль,» — так
характеризовал положение в музыке немецкий композитор Ганс Эйслер (ученик Шенберга), который посвятил свой талант
немецкому и международному рабочему движению. Шенберг и Берг создали большие художественные ценности критического
характера, имеющие значение приговора над действительностью.

Шенберг — отец музыкального модернизма — создал новую музыкальную технику,
отвергающую полностью ладомузыкальную основу, получившую название додекафония (от греч. dodeka
— двенадцать и phone — звук) — метод музыкальной композиции, при котором отрицаются ладовые связи (тяготения) между
звуками и каждый из 12 тонов хроматического звукоряда (звуки в пределах октавы) считаются равноправными без различия
тонов на устойчивые и неустойчивые.

Творчество и учение Шенберга произвели переворот в многовековой практике композиции. Впервые реформа музыкального
языка отвергла преемственность с музыкой прошлого. Шенберг и его преемники полностью порывают с ладотональной
системой. Сочинение музыки, согласно Шенбергу, представляет собой чисто умозрительное конструирование, подобное
решению задач математической логики.

В годы первой мировой войны Берг создал оперу «Воццек» о судьбе молодого солдата (от издевательств в
казарме доходит до психоза и преступления). Это произведение считают вершиной творчества экспрессионистов, оно стоит
в одном ряду с антивоенными произведениями Ремарка и Хемингуэя. После 1-й мировой войны композиторы обратятся к
поиску потерянного идеала.

Просвещение

В России во второй половине XIX в. наиболее быстрыми темпами развивалось начальное образование. Наряду с церковноприходскими и одноклассными школами Министерства народного просвещения большое распространение получают земские школы, которые содержались за счет местных земств. К концу века в сельской местности начальное образование охватывало несколько миллионов учащихся. Во многих городах действовали воскресные школы для взрослых. Но число грамотных в России составляло в 1897 г. всего лишь 21 % всего населения страны.

К концу 1914 г. в России насчитывалось около 124 тыс. начальных учебных заведений, в которых училось немногим более 30 % детей в возрасте от 8 до 11 лет (в городах — 46,6%).

После жарких споров о характере среднего образования основой его стала классическая гимназия, в которой до 40 % учебного времени отводилось на изучение латинского и греческого языков. В 1862 г. открываются первые женские гимназии. Особым министерским циркуляром («О кухаркиных детях») был ограничен прием в гимназии детей малоимущих родителей.

Успехи в области высшего образования заключались как в увеличении числа высших учебных заведений, так и в росте числа студентов. В пореформенный период наряду с открытием новых университетов (в Одессе, Томске, Саратове) были открыты и другие высшие учебные заведения (Медикохирургическая академия в Петербурге, различные институты в Петербурге и Москве).

В 1913/14 учебном году в России насчитывалось 63 государственных высших учебных заведения, в которых обучалось более 71 тыс. студентов.

Литература

В пореформенный период литература продолжает занимать в русской культуре ведущее место. Реализм по-прежнему является в ней преобладающим направлением. Особенностью реализма было постоянное стремление возможно шире отразить действительность, вскрыть и обличить общественную неправду. В то же время литература реализма утверждала положительные общественные идеалы. Народность, патриотизм, защита прав и интересов народной массы и личности, борьба за социальную справедливость — вот характерные черты, присущие передовой русской литературе.

В сокровищницу мировой литературы навсегда вошли имена И. Тургенева, Н. Некрасова, Ф. Достоевского, И. Гончарова, М. Салтыкова-Щедрина, Л. Толстого, А. Чехова. Передовая литература, откликавшаяся на важнейшие общественно-политические события того времени, оказала значительное влияние на развитие театра, музыки и изобразительного искусства.

Лев Николаевич Толстой

Театр

Русской театральной культуре второй половины XIX в. были присущи народность и гуманизм, идейное и эмоциональное богатство, глубокое воспроизведение человеческих характеров и историческая правда. Продолжая традиции Фонвизина, Грибоедова, Пушкина, А. Островский своим творчеством завершил создание русской национальной драматургии (пьесы «Бесприданница», «Свои люди — сочтемся», «Гроза», «Доходное место» и др.).

Мария Николаевна Ермолова, актриса Малого театра. Худ. В. Серов

Центром театральной жизни России по праву был Малый театр. Ведущее место в его репертуаре занимали пьесы Островского. Великая актриса М. Ермолова создала на сцене театра немало запоминающихся женских образов. Среди них — образ Екатерины из «Грозы» Островского.

Музыка

Петр Ильич Чайковский, русский композитор; крупнейший симфонист, музыкальный драматург и лирик, реформатор балета

Живопись

На вторую половину XIX в. приходится время подъема и расцвета в России национальной реалистической и демократической школы живописи. В 1863 г. группа наиболее талантливых учеников Петербургской Академии художеств во главе с И. Крамским потребовала свободы в выборе сюжета для выполнения выпускных работ. Получив отказ, они вышли из Академии и создали артель свободных художников. В 1870 г. по инициативе И. Крамского, Г. Мясоедова, Н. Ге, В. Перова в Петербурге было организовано Товарищество художественных передвижных выставок. Идейным вождем передвижников стал Крамской, создавший целую галле- рею портретов русских писателей, художников, общественных деятелей. Высшие достижения русского реализма в живописи связаны с творчеством И. Репина («Бурлаки на Волге», «Не ждали», «Запорожцы пишут письмо турецкому султану») и В. Сурикова («Утро стрелецкой казни», «Боярыня Морозова», «Покорение Сибири Ермаком»).

Развитие искусства во второй половине XIX в. в России — одна из наиболее замечательных страниц в истории русской и мировой культуры.

Натурализм в музыке

Натурализм же получил развитие в итальянской музыке под названием веризма.
Его последователями здесь выступили

Джакомо Пуччини (1858—1924),
Пьетро Масканьи (1863—1945),
Реджеро Леонкавалло (1857—1919).

Как писатели-веристы они
посвящали свои музыкальные драмы жизни бедных людей, смело вводили прозаические музыкальные ситуации. В музыке
отказывались от вокальных «ударных номеров» и тяготели к декламации, к использованию имитации шумов,
пения птиц, звуков прибоя и т. п. «Богема» (1896) и «Тоска» (1900) Пуччини положили начало
камерной лирической драме на оперных подмостках. Этот жанр нашел высшее воплощение в «Чио-Чио-Сан»
(1904).

Авангардизм в музыке

Еще большим отходом от традиций классического музыкального наследия отмечено течение авангардизма, основанного на
принципах нововеновской школы с привнесением других элементов композиции. Авангардисты включали в звуковую ткань
произведения различного рода шумы, звуки электронных синтезаторов, отметим это, забегая вперед.

Одной из разновидностей музыкального авангардизма стала алеоторика (лат. alea — игральная кость, случайность) —
течение в современной музыке, возникшее в 50-е гг. XX в. в ФРГ и во Франции; основано исключительно на применении
принципа случайности как в процессе создания произведения, так и его исполнения. В Хаотичном звукосочетании
авангардисты применяли принцип сонорности (лат. sonorus — звонкий, звучный, шумный) — композиторская техника,
построенная на использовании красочных созвучий.

Педагогическая деятельность.

Свои театральные произведения Карл Орф создавал в расчете на универсального артиста, который может быть и чтецом, и певцом, и актером, и даже мимом. Он был убежден в том, что подобная универсальность изначально заложена в природе человеческих способностей, надо только создать условия для их развития. Композитор разработал свою оригинальную модель обучения детей музыке в процессе свободного музицирования.

Вопросами музыкального воспитания Орф стал заниматься уже в молодые годы. Он основал в Мюнхене (вместе с хореографом Доротеей Гюнтер) школу гимнастики, музыки и танца (1924). Многолетний опыт работы в этой школе лег в основу музыкально-педагогической системы Орфа. Она опирается, главным образом, на развитие чувства ритма как первоначальной основы музыкальных способностей, а также на синтез музыки и движения.

Результатом работы композитора в школе Гюнтер явился пятитомный труд «Шульверк» . В основе «Шульверка» лежит фольклор – южно-немецкие песни и танцы.

В 1962 году в Зальцбурге, в Высшей школе музыки и изобразительного искусства «Моцартеум», стал действовать созданный Орфом Институт музыкального воспитания. Институт Орфа стал крупнейшим интернациональным центром подготовки музыкальных воспитателей для дошкольных учреждений и общеобразовательных школ.

Педагогическая система Орфа ставит целью не обучение музыканта-профессионала, а формирование гармонично развитой личности, способной как к восприятию самой различной музыки – от средневековой до современной, так и к практическому музицированию в самых различных формах.

Работу выполнил: студент группы ДБПО-201мр

Эсси-Эзинг Павел

Административная правоспособность, дееспособность, правосубъектность и деликтоспособность граждан
Субъекты административного права
Классификация преступлений в международном праве
Финансовые риски и их страхование
Отрасли международного права
Техногенные катастрофы, их стадии и последствия. Ликвидация последствий
Контроль за исполнением документов
ЭТИКА ДЕЛОВОГО ОБЩЕНИЯ (MBA-Стратегический менеджмент)
Современные системные программные средства.
History of Sambo
Основные характеристики ЕСМ-систем
Лидерами рождаются или становятся

Музыка второй половины XIX века

Этот период считается мощным расцветом музыкальной русской культуры. Подъем происходит на фоне обострившихся социальных противоречий, приведших к реформам и, как следствие, к большой общественной активности.

В это время открывается первая русская консерватория в Петербурге, директором которой становится А. Рубинштейн. А через четыре года уже в Москве также начинает свою работу консерватория под руководством брата Антона Рубинштейна Николая.

Первые их выпускники, среди которых был П. Чайковский, стали гордостью страны и прославили ее. В этот период особое место принадлежит объединению известных композиторов, которое называлась «Могучей кучкой» или «Новой русской школой». Основателем ее был Балакирев, кроме него сюда входило еще четыре композитора: Кюи, Мусоргский, Бородин и Римский-Корсаков.

Их эстетические позиции сформировались под влиянием В. Стасова, известного русского музыкального и художественного критика.
Они считали себя последователями великого М. Глинки и в своих творениях продолжали музыкальные традиции классической музыки, которые были заложены Глинкой и Даргомыжским.

Замечание 2

Композиторы «Могучей кучки» развивали русскую национальную музыку и считали своей основной задачей правдивое отражение в музыке жизни народа, которое было бы понятно массовому слушателю.

Клод Дебюсси (1862—1918)

Итак, основателем импрессионизма в музыке стал французский композитор Клод Дебюсси (1862—1918).
Творческое наследие Дебюсси не очень обширно. Начал с сочинений, в которых чувствовалось влияние русской школы
Мусоргского, Римского-Корсакова. Но в таких произведениях, как «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны»
(1899), «Образы», опера «Пеллеас и Мелизанда» (1902), фортепианные пьесы, он выступает как
яркий новатор.

Три симфонические пьесы под общим названием «Ноктюрны» для скрипки с оркестром были
написаны для известного бельгийского скрипача Эжена Изаи, симфонический вариант был закончен в 1899 г. К первому
исполнению, в 1900 г. автор написал комментарий, где подчеркнул, что под ноктюрном имеется в виду не привычная
форма, а впечатления и ощущения от света. К содержанию первой пьесы из цикла «Облака» композитор
написал: «Это вечный образ неба с медленно и меланхолично плывущими облаками, умирающими в серой дымке, нежно
оттененной белым светом.» (У Шарля Бодлера есть одноименное стихотворение в прозе, очень близкое к музыке
Дебюсси.) Вторая пьеса — «Празднества» — это движение, пляшущий ритм атмосферы с внезапными вспышками
яркого света, здесь также эпизод шествия (ослепительное и призрачное видение), проходящего сквозь праздник и
сливающегося с ним; но фон остается все время — это праздник, это смешение музыки со светящейся пылью, составляющее
часть общего ритма. Третья пьеса — «Сирены» — это море и его безгранично многообразный ритм; среди
посеребренных луной волн возникает, рассыпается смехом и удаляется таинственное пение сирен. Из этих
объяснений композитора видно, что Дебюсси создавал музыку утонченных образов, которой свойственны полутона
настроений, изысканность гармоний. Гармония его музыки возникала совершенно из другого звукоощущения, чем гармония
прежней музыки.

100 великих композиторов мира

Список композиторов в хронологическом порядке

1. Жоскен Депре (1450 –1521)2. Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (1525 –1594)3. Клаудио Монтеверди (1567 –1643)4. Генрих Шютц (1585 –1672)5. Жан Батист Люлли (1632 –1687)6. Генри Пёрселл (1658 –1695)7. Арканджело Корелли (1653 –1713)8. Антонио Вивальди (1678 –1741)9. Жан Филипп Рамо (1683 –1764)10. Георг Гендель (1685 –1759)11. Доменико Скарлатти (1685 –1757)12. Иоганн Себастьян Бах (1685 –1750)13. Кристоф Виллибальд Глюк (1713 –1787)14. Йозеф Гайдн (1732 –1809)15. Антонио Сальери (1750 –1825)16. Дмитрий Степанович Бортнянский (1751 –1825)17. Вольфганг Амадей Моцарт (1756 –1791)18. Людвиг Ван Бетховен (1770 –1826)19. Иоганн Непомук Гуммель (1778 –1837)20. Николло Паганини (1782 –1840)21. Джакомо Мейербер (1791 –1864)22. Карл Мария фон Вебер (1786 –1826)23. Джоаккино Россини (1792 –1868)24. Франц Шуберт (1797 –1828)25. Гаэтано Доницетти (1797 –1848)26. Винченцо Беллини (1801 –1835)27. Гектор Берлиоз (1803 –1869)28. Михаил Иванович Глинка (1804 –1857)29. Феликс Мендельсон-Бартольди (1809 –1847)30. Фридерик Шопен (1810 –1849)31. Роберт Шуман (1810 –1856)32. Александр Сергеевич Даргомыжский (1813 –1869)33. Ференц Лист (1811 –1886)34. Рихард Вагнер (1813 –1883)35. Джузеппе Верди (1813 –1901)36. Шарль Гуно (1818 –1893)37. Станислав Монюшко (1819 –1872)38. Жак Оффенбах (1819 –1880)39. Александр Николаевич Серов (1820 –1871)40. Сезар Франк (1822 –1890)41. Бедржих Сметана (1824 –1884)42. Антон Брукнер (1824 –1896)43. Иоганн Штраус (1825 –1899)44. Антон Григорьевич Рубинштейн (1829 –1894)45. Иоганнес Брамс (1833 –1897)46. Александр Порфирьевич Бородин (1833 –1887)47. Камиль Сен-Санс (1835 –1921)48. Лео Делиб (1836 –1891)49. Милий Алексеевич Балакирев (1837 –1910)50. Жорж Бизе (1838 –1875)51. Модест Петрович Мусоргский (1839 –1881)52. Петр Ильич Чайковский (1840 –1893)53. Антонин Дворжак (1841 –1904)54. Жюль Массне (1842 –1912)55. Эдвард Григ (1843 –1907)56. Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844 –1908)57. Габриель Форе (1845 –1924)58. Леош Яначек (1854 –1928)59. Анатолий Константинович Лядов (1855 –1914)60. Сергей Иванович Танееев (1856 –1915)61. Руджеро Леонкавалло (1857 –1919)62. Джакомо Пуччини (1858 –1924)63. Гуго Вольф (1860 –1903)64. Густав Малер (1860 –1911)65. Клод Дебюсси (1862 –1918)66. Рихард Штраус (1864 –1949)67. Александр Тихонович Гречанинов (1864 –1956)68. Александр Константинович Глазунов (1865 –1936)69. Ян Сибелиус (1865 –1957)70. Франц Легар (1870 –1945)71. Александр Николаевич Скрябин (1872 –1915)72. Сергей Васильевич Рахманинов (1873 –1943)73. Арнольд Шёнберг (1874 –1951)74. Морис Равель (1875 –1937)75. Николай Карлович Метнер (1880 –1951)76. Бела Барток (1881 –1945)77. Николай Яковлевич Мясковский (1881 –1950)78. Игорь Федорович Стравинский (1882 –1971)79. Антон Веберн (1883 –1945)80. Имре Кальман (1882 –1953)81. Альбан Берг (1885 –1935)82. Сергей Сергеевич Прокофьев (1891 –1953)83. Артур Онеггер (1892 –1955)84. Дариюс Мийо (1892 –1974)85. Карл Орф (1895 –1982)86. Пауль Хиндемит (1895 –1963)87. Джордж Гершвин (1898 –1937)88. Исаак Осипович Дунаевский (1900 –1955)89. Арам Ильич Хачатурян (1903 –1978)90. Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906 –1975)91. Тихон Николаевич Хренников (род. в 1913 году)92. Бенджамин Бриттен (1913 –1976)93. Георгий Васильевич Свиридов (1915 –1998)94. Леонард Бернстайн (1918 –1990)95. Родион Константинович Щедрин (род. в 1932 году)96. Кшиштоф Пендерецкий (род. в 1933 году)97. Альфред Гариевич Шнитке (1934 –1998)98. Боб Дилан (род. в 1941 году)99. Джон Леннон (1940–1980) и Пол Маккартни (род. в 1942 году)100. Стинг (род. в 1951 году)

ШЕДЕВРЫ КЛАССИЧЕСКОЙ МУЗЫКИ

Русская музыка второй половины 19 века

Во второй половине 19 века музыка становится более доступной для разных слоев населения.

Открываются Московское и Петербургское отделения Императорского русского музыкального общества, постоянно проводящие доступные всем музыкальные собрания,
В Петербурге создается бесплатная музыкальная школа,
Основываются консерватории – вначале в столицах (возглавляли их братья Рубинштейны), а концу века и в других городах.

Становятся популярными новые музыкальные жанры – симфонические циклы, симфонии (первая симфония (фа-мажор) была создана А.Г. Рубинштейном в 1859, но она не получила широкой популярности; более известна его симфония номер 2 до-мажор под названием «Океан». Настоящего расцвета в русской музыке этот жанр достиг в творчестве Римского-Корсакова и Чайковского).

Композиторские школы 19 века в России

Также в стране в 19 веке формируются две крупнейшие композиторские школы:

Первая – Новая русская школа в Петербурге, позже В.В. Стасов назовет её «Могучая Кучка».

В нее входили М.А. Балакирев, А.П. Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков и Ц.А. Кюи. Главным своим наставником и учителем они видели М.И. Глинку, а главной целью – воплощение национального начала в своих музыкальных произведениях. В то время очень сильны были революционные идеи; вся интеллигенция размышляла над проблемами крестьян, сами же крестьяне устраивали бунты и восстания. На этом фоне и появилась «Могучая кучка» с её идеями национального, духовного, народного богатства. Тщательно собирая русский фольклор, они старались передать в операх всю силу народного духа.

Вторая – московская школа;

возглавлял её П.И. Чайковский, и в нее входили А.А. Алябьев, С.И. Танеев, А.Е Варламов и другие.

Если петербургская композиторская школа стояла за эпичность в музыке, то московской школе русских композиторов были более свойственны лирические произведения. Например, природа, пейзаж у П.И. Чайковского всегда изображен через призму человеческих чувств, у композиторов кучкистов природа, скорее, сильный, полноправный герой, не имеющий ничего общего с человеком. Таких различий много, однако, самое главное – они относились к разным временным эпохам.

Московская школа представляла эпоху уходящую, «век минувший»,
Петербургская же (или «новая русская», как её называли) заключала в себе все, что было свойственно «веку нынешнему».

Антагонизм этих двух школ повлиял на творчество не только их приверженцев, но и тех композиторов, которые не причисляли себя ни к той, ни к другой школе.

Исполнительское искусство 19 века

Что касается исполнительского искусства, в России очень многое поменялось в течение этого периода. До него распространено было лишь любительское домашнее музицирование (об этом уже говорилось выше), к началу же 20 века музыкальные произведения стали исполняться в огромных залах оперных театров, стали формироваться отечественные школы игры и пения и открываться высшие учебные заведения.

Музыкальные инструменты

Одно из главных изобретений 19 века – механизм вентилей для духовых инструментов, с помощью которого возможности духовых музыкальных инструментов стали гораздо шире; появились новые инструменты – например, туба и флейта-пикколо. Кроме того, то пианино, на котором мы играем сегодня, было изобретено в то же время в Америке и сразу же приобрело небывалую популярность и в России.

Подведем итог.

В русской музыкальной культуре 19 века произошел настоящий подъем, сформировалась национальная музыкальная школа, и отечественных композиторов признал и начал уважать весь мир.