Концертино
A концертино, буквально «маленький ансамбль», — это группа солистов в концерте гроссо. Это противоположно ripieno и tutti, которые представляют собой большую группу, контрастирующую с концертино.
Хотя концертино — меньшая из двух групп, их материал, как правило, более виртуозен, чем у рипиено. Кроме того, концертино не разделяет тематический материал с рипиено, но представляет уникальные идеи. Этот контраст малой группы большой группе и одной тематической группы против другой очень характерен для идеологии барокко — подобен террасной динамике, где идея является значительным контрастом.
Концерто гроссо Альфреда Шнитке
Шнитке был не первым композитором двадцатого века, обратившимся к барочному жанру – концерто гроссо. Это художественное течение, популярное в прошлом, стало набирать силу в конце девятнадцатого века. До этого оно было вытеснено популярным сольным концертом и концертной симфонией
Более века не появлялись новые образцы этой формы, только в двадцатом веке на него обратили внимание такие композиторы как Игорь Стравинский, Кшиштоф Пендерецкий, Эрнест Блох и многие другие авторы, получившие мировую известность
В период с 1977 по 1993 год Шнитке написал шесть Концертов гроссо для разных составов. Ведущую роль в составе оркестра играют струнные инструменты, однако тембровую узнаваемость произведениям придает уникальное сочетание клавишных инструментов: клавесина, фортепиано и челесты. Интересен тот факт, что в определенных местах композиции используется эксклюзивный прием игры на рояле: между его струнами зажимаются монеты. Подобное ухищрение помогло получить довольно интересное, неповторимое звучание.
Что же предшествовало появлению концерто гроссо? В 1976 году знаменитые скрипачи Гидон Кремер и Татьяна Гринденко обратились к композитору с просьбой написать для них произведение. Задача казалась невыполнимой, так как Шнитке привык работать медленно, вдумчиво, не наспех, сочиняя несколько вариантов композиции и нередко не доводя до конца первый вариант. Однако, к удивлению, вдохновение быстро посетило гения и уже к концу года партитуры были готовы.
26 января 1977 года нотная запись была передана Кремеру, который намеревался исполнить музыку в ближайшее время, до концерта оставалось менее одного месяца. Премьера произведения состоялась после трех репетиций под руководством эстонского дирижера Эри Класа. Гениальная композиция впервые прозвучала 21 марта 1977 года в Ленинграде. Кремер и Гринденко впоследствии сыграли концерт во многих городах Европы: Вильнюсе, Москве, Таллине, Риге, Будапеште. Во время Зальцбургского фестиваля была записана грампластинка с Лондонским симфоническим оркестром, за дирижерским пультом был Геннадий Рождественский.
Первый концерт Шнитке обладает характерным звучанием, он объединяет в себе голоса старого и нового времени. Произведение состоит из шести частей:
- Прелюдия.
- Токката.
- Речитатив.
- Каденция.
- Рондо.
- Постлюдия.
Произведение представляет собой полистилизм – это стремление композитора сочетать внешне непримиримые музыкальные элементы. Например, вольный и страстный стиль танго с серьезными стилями атональной музыки (без соблюдения логических правил гармонической тональности). Шнитке, отметим, запечатлел в своей музыке имя гениального композитора – Баха. Одна из главных тем основана на нотах, которые в музыке именованы буквами, из которых состоит имя великого творца – B-A-C-H, то есть си-бемоль, ля, до и си.
В произведении есть многочисленные отсылки к кинофильмам, сочиненным композитором ранее. Это, например, музыка из киноленты «Агония», из мультфильма «Бабочка», из анимационного фильма «Стеклянная губная гармошка». Мелодия, звучащая в начале Рондо, позаимствована из репертуара Владимира Высоцкого.
Звуковой хаос, смешение тем, стремительное вторжение кричащих интонаций – именно это характеризует музыку Шнитке, ту, которая опередила свое время на несколько десятилетий.
Concerto grosso g-moll ор.6 №6
Двенадцать Больших концертов ор.6, изданных Генделем в Лондоне, были сочинены всего за один месяц осенью 1739 года. Входящий в эту серию концерт соль минор (ор.6 №6) предназначен дляструнного оркестра ицифрованного баса, партию которого обычно исполняют наклавесине. Функции всех партий равноценны.
Пять частей концерта составляют стройный, симметричный цикл. Его центр– пасторальный Musette (третья часть), словно вторжение «сельского жанра» в лирико-драматическую сферу. Пообе стороны отмюзетта расположены парами две первые идве последние части. Они примерно равны помасштабам. Между частями возникают многообразные связи. Так, например, темповое соотношение первых двух частей (медленно – быстро) напоминает французскую увертюру, а их строение образует как бы «малый полифонический цикл» (прелюдия – фуга). Связь подчеркнута автентическим соотношением D–Т на грани частей.
Две последние части родственны и в образном, и втемповом отношении. Обе быстрые, полны оживления, устремленности. Они представляют собой два варианта финала (четырехдольное итрехдольное Allegri).
Все части концерта, кроме третьей, написаны в основной тональности g-moll. III часть – Musette – в Es-dur (это единственная мажорная часть). Линия образного развития вконцерте идет отскорбно-величавого раздумья, через контраст мужественной энергии испокойного созерцания — к действенной энергии.
Музыка I части (Larghetto affetuoso) отличается суровым величием и трагедийным пафосом (ритм сарабанды, насыщенная хоральная фактура, драматические восклицательные возгласы).
Во II части, фуге, создается образ могучий, сильный, вместе с тем – беспокойно-напряженный. Темафуги типична для Генделя: энергичная, срешительными скачками наквинту иоктаву,упругим чеканным ритмом: Проведений темы не много, но ее интонациями пронизаны все противосложения иинтермедии. Такой процесс развития предвосхищает симфоническую разработочность.
Характерно для генделевского стиля и сочетание полифонического развития саккордово-гармоническим складом. Аккордовые вертикали временами даже затушевывают полифоническую природу жанра фуги.
III часть концерта– Musette. Его музыка течет плавно, спокойно, развертывается длительно, настраивая насозерцательный лад. Тональность — светлый ми-бемоль мажор, выдержанные «волыночные» басы создают ощущение устойчивости ипокоя. Танцевальная ритмика Musette очень пластична. Певучая мелодия звучит преимущественно ввысоком регистре, расположение голосов ваккордах— широкое, «просторное».
Musette написан вшироко развернутой трехмастной форме сконтрастной серединой. Всреднем разделе движение ускорено, меняется ритм, усилено общее звучание: это торжественная имощная кульминация всей части.
IV часть концерта своей широтой, мощью и торжественностью напоминает многие ораториальные хоры Генделя. Основная тема несколько сходна сфугой (второй частью): размашистые скачки, энергичный ритм, массивность аккордовой фактуры.
Гомофонный склад переплетается вэтой части сприемами развития, характерными дляполифонических форм: тема то рельефно выступает напервый план, то «растворяется» вэпизодах типа интермедий или в секвентном развитии. Форма – старинная двухчастная. Внутри первой части тональное движение ведет оттоники через параллельный мажор кдоминанте. Вовторой части развитие идет отдоминантовой тональности через субдоминанту кглавной тональности взаключении.
V часть– одновременно взволнованная исдержанная, строгая ипростая. Основную восходяще-восклицательную интонацию темы уравновешивает исдерживает нисходящее триольное движение, затеняя колорит. Но вцелом мелодия этой части устремлена кверхнему регистру, звучит светло ичисто. Нераз использует здесь Гендель диалогические приемы— переклички регистров иголосов, противопоставление f ир. Подчас возникает своего рода дуэт— вопросительные возгласы имрачные, непреклонные ответы. Такое противопоставление применено Генделем ивзаключительных тактах. Сурово звучат октавные ходы, но вопреки им Allegro завершается тонко очерченной мелодией скрипок. Она вобрала всебя иначальную восходящую интонацию, словно обобщая смысл музыки этой части.
Хотя несколько ранних концертов относятся к 1710 году.
изданы в 1734 году, однако сочинялись в разные годы, в том числе и в 1710.
Особенности циклической формы
Основной принцип сочинения циклической музыкальной формы – это контраст. То есть части произведения выстраиваются таким образом, что в них сопоставляются два разнохарактерных музыкальных приема. Контрасты встречаются в гармонии, в мелодии, в ритме и скорости движения. Если первая часть исполняется в мажоре («веселой тональности»), то следующая за ней звучит в миноре («грустной тональности»). Примеры музыкальных контрастов довольно разнообразны:
- быстро – медленно;
- форте (громко) – пиано (тихо);
- одноголосие – многоголосие, полифония;
- стаккато (отрывисто) – легато (плавно);
- высокий регистр – низкий регистр;
- звонкое звучание – приглушенные звуки;
- двухдольный размер (характерный маршу) – трехдольный размер (характерный вальсу).
К циклическим формам обращались композиторы прошлого, а также наши современники. Например, Альфред Шнитке – один из самых значимых композиторов советского времени, которого всегда волновали проблемы человечества, судьба народа, вечные противоречия между идеалом и действительностью.
Formation of the Concerto Grosso
The form was probably developed around 1680 by Alessandro Stradella, who seems to have written the first music in which a «concertino» and «ripieno» are combined in the characteristic way, though he did not use the term «concerto grosso.» The first major composer of named concerti grossi was Stradella’s friend Arcangelo Corelli. After Corelli’s death, a collection of twelve such pieces he composed was published (presumably, the movements were selected individually from a larger oeuvre) and soon spread across Europe, finding many admirers and imitators. Composers such as Francesco Geminiani and Giuseppe Torelli wrote concerti in the style of Corelli, and he also had a strong influence on Antonio Vivaldi.
Credits
New World Encyclopedia writers and editors rewrote and completed the Wikipedia article
in accordance with New World Encyclopedia standards. This article abides by terms of the Creative Commons CC-by-sa 3.0 License (CC-by-sa), which may be used and disseminated with proper attribution. Credit is due under the terms of this license that can reference both the New World Encyclopedia contributors and the selfless volunteer contributors of the Wikimedia Foundation. To cite this article click here for a list of acceptable citing formats.The history of earlier contributions by wikipedians is accessible to researchers here:
Concerto Grosso history
The history of this article since it was imported to New World Encyclopedia:
History of «Concerto Grosso»
Note: Some restrictions may apply to use of individual images which are separately licensed.
Concerto grosso forms
In Corelli’s day, two distinct forms of the concerto grosso were distinguished: the concerto da chiesa (church concert) and the concerto da camera (chamber concert). The former was more formal and generally just alternated largo or adagio (slow) movements with allegro (fast) movements, whereas the latter had more the character of a suite, being introduced by a preludio and incorporating many dance forms popular in the day. These distinctions later became blurred.
The most famous concerto by Corelli is arguably No. 8 in G minor, the so-called Christmas Concerto, which ends with a furious allegro and then has an optional pastoral tacked on which should, in theory, only be played on Christmas Eve and must, in practice, often be played twice even when it isn’t, due to its great popularity.
Corelli’s concertino consisted of two violins and a cello, with a string orchestra serving as ripieno, both accompanied by a basso continuo. The latter was believed to be often realized on the organ in Corelli’s day, especially in the case of the concerti da chiesa, but in modern recordings harpsichord realizations are almost exclusive.
