Камерная музыка

Постепенный спад популярности

К сожалению, в начале 19-го века большинство известных камерных оркестров утратили свою популярность. Виной тому стало создание больших симфонических оркестров. Большие оркестры ярче звучали и смотрелись более эффектно. Конечно же, слушатель тянулся к более величественному исполнению и интересному разнообразию в выборе инструментов.

Определение, что такое камерный оркестр и камерная музыка, стали забывать, внося новые краски в композицию. Были придуманы более новые на то время связки инструментов, и популярность симфонического исполнения возрастала. Вместе с тем падал спрос на камерную музыку.

Народный оркестр

В таком оркестре основными инструментами являются народные.

Например, для русского народного оркестра наиболее типичными являются: домры, балалайки, гусли, баяны, гармоники, жалейки, свирели, рожки владимирские, бубны. Также дополнительными музыкальными инструментами для такого оркестра есть флейта и гобой.

Впервые появился народный оркестр в конце XIX века, организатором которого стал В.В. Андреев. Этот оркестр очень много гастролировал и получил широкую популярность в России и за ее пределами. А вначале XX века народные оркестры начали появляться повсеместно: в клубах, при дворцах культуры и так далее.

История[править]

Камерный оркестр МГУ был основан Эдуардом Михайловичем Гиндиным, альтистом Музыкального театра им. К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко. В 1967г. Э.M. Гиндин выступил с инициативой об организации уникального камерного оркестра в состав которого вошли бы студенты физико-математического факультета МГУ, имеющие базовые навыки музицирования. Предложение Э.M. Гиндина было с интересом рассмотрено ректором МГУ Иваном Георгиевичем Петровским и доктором физико-математических наук Георгием Евгеньевичем Шиловым. Заручившись их поддержкой, Э.M. Гиндин начал формирование коллектива. Исторически сложилось, что представители интеллигенции интуитивно чувствовали связь с музыкой, точнее, аристократические музыкальные традиции России повлияли на формирование и продолжение домашнего музицирования. Современные ученые выяснили, что начальное музыкальное образование, в целом, значительно влияет на формирование и развитие разных профессиональных сфер: научной, образовательной, культурной и т.д. Облетевшая МГУ новость о формировании своего оркестра привлекла любителей музыки других факультетов, и уже в сентябре 1967 года разросшийся оркестр становится общеуниверситетским. Э.M.Гиндин руководит оркестром до 1976 года, затем принимает решение об эмиграции в США. По этой причине оркестр претерпевает непростой период нелояльного отношения властей к неугодному коллективу. Не смотря на сложную обстановку оркестр не распался. Слишком прочными оказались духовные связи и желание играть старинную музыку. Камерный оркестр МГУ дважды становится лауреатом Фестивалей любительских камерных оркестров в г. Ереване и дважды награжден первым призом на Всесоюзных фестивалях самодеятельного творчества трудящихся. Огромную роль в жизни оркестра сыграл Александр Александрович Константинов — доктор биологических наук, руководивший коллективом на протяжении 30 лет.

Джазовый оркестр

Еще оркестр такого вида назывался джаз-бэнд.

В его состав входят такие музыкальные инструменты: саксофон, фортепиано, банджо, гитара, ударные, трубы, тромбоны, контрабас, кларнеты.

Вообще, джаз — это направление в музыке, которое сложилось под влиянием африканских ритмов и фольклора, а также европейской гармонии.

Впервые джаз появился на юге США в начале XX столетия. И вскоре распространился во всех странах мира. На родине это музыкальное направление развивалось и дополнялось новыми характерными особенностями, которые появлялись в том или другом регионе.

Одно время в Америке термины «джаз» и «популярная музыка» имели одинаковое смысловое значение.

Джазовые оркестры стали активно формироваться уже в 1920-х годах. И таковыми они оставались аж до 40-х.

В эти музыкальные группы участники поступали, как правило, еще в подростковом возрасте, исполняя свою конкретную партию — заученную или по нотам.

Вершиной славы джазовых оркестров считаются 1930-е годы. Руководителями известнейших на то время джазовых оркестров были: Арти Шоу, Гленн Миллер, и другие. Их музыкальные произведения звучали на то время повсюду: на радио, в танцевальных клубах и так далее.

В настоящее время также очень популярны джазовые оркестры и мелодии, написанные в стиле «джаз».

И хотя видов музыкальных оркестров существует большее количество, в статье рассмотрены основные из них.

Оратории Георга Фридриха Генделя и др.). Начиная с XVII века , камерные оркестры часто имелись на дворах герцогов и других дворян, которые могли позволить себе содержать маленький оркестр. Так, например, Иоганн Себастьян Бах с 1703 года был скрипачом в камерном оркестре герцога Иоганна Эрнста III.

Произведения для камерного оркестра в XX веке писали Арнольд Шёнберг (Камерная симфония № 1), Алан Хованесс («Анахид», фантазия для камерного оркестра , Симфония № 6 для камерного оркестра), Альфред Шнитке (Концерт № 3 для скрипки с оркестром) и др.

Среди известных камерных оркестров XX века — Академия Святого Мартина в полях (из руководителей наиболее известен Нэвилл Марринер), Литовский камерный оркестр (среди руководителей — Саулюс Сондецкис), Виртуозы Москвы (под управлением Владимира Спивакова), Казанский государственный камерный оркестр La Primavera (под управлением Рустама Абязова)

Московский молодежный камерный оркестр – коллектив, стремительно завоевавший популярность в России и за рубежом

Оркестр создан в 2003 году по инициативе стипендиатов Фонда «Русское исполнительское искусство» на базе Государственного музыкально-педагогического института им. М.М. Ипполитова-Иванова.

Художественный руководитель и главный дирижер Оркестра — Заслуженный деятель искусств РФ, Президент Фонда «Русское исполнительское искусство», Ректор ГМПИ имени М.М.Ипполитова-Иванова, профессор Валерий Ворона.

Дирижер-консультант — Народный артист России, профессор Владимир Понькин.

Участники оркестра — стипендиаты Фонда, лауреаты международных конкурсов, студенты ведущих музыкальных учебных заведений Москвы. Юбилейный концерт ММКО в Рахманиновском зале Московской консерватории 26 сентября 2014 г.

Медведев Д.А. и Ворона В.И. в Кремле, на торжествен­ной церемонии награждени­я лауреатов президентс­ких премий, приуроченн­ой ко Дню работника культуры, 23 марта 2012.г.
 
 

Международный благотворительный фестиваль российско-итальянской культуры «Очи чёрные»

В рамках перекрестного Года туризма «Россия-Италия» в итальянском городе-курорте Монтекатини Терме состоялся II Международный благотворительный фестиваль российско-итальянской культуры «Очи черные». Фестиваль был посвящен 200-летию великого русского поэта Михаила Юрьевича Лермонтова как продолжение традиций первого фестиваля, состоявшегося в прошлом году и посвященного 200-летию Джузеппе Верди.Цель мероприятия – содействие сохранению великих культурных традиций России и Италии, представляющих общемировую ценность.
Подробнее…СМИ о Фестивале…

https://youtube.com/watch?v=jWq9TJEe9s4

Европа сквозь железно-информационно-санкционный занавес увидела истинное живое лицо и душу России. Каждый концерт фестиваля российской культуры в Италии «Очи черные» и юбилейный европейский тур Московского Молодежного Камерного Оркестра неизменно заканчивался кричалками «Россия, Россия!». Жаль только, что это стало последним выступлением нашего дорогого друга Святослава Бэлзы.

Мэрия Монтекатини Терме приняла решение заложить на следующем фестивале в первой декаде мая 2015 года медальон С.Бэлзы на аллее звезд. В программе фестиваля еще одно знаменательное событие — открытие памятника Дж.Верди. Это — подарок российского скульптора городу.

Мировая премьера оперы М.П.Мусоргского и М.М.Ипполитова-Иванова «Женитьба»

При поддержке Фонда «Русское исполнительское искусство» Мастерская Народного артиста РФ, профессора Д.А.Бертмана, Факультета Музыкального театра Российского университета театрального искусства – ГИТИС и Московский молодежный камерный оркестр Государственного музыкально-педагогического института имени М.М.Ипполитова-Иванова, под управлением Заслуженного деятеля искусств РФ, профессора В.И.Вороны, — представляют мировую премьеру оперы Мусоргского и Ипполитова-Иванова «Женитьба», по одноименной пьесе Гоголя.

Межвузовский молодежный проект ГИТИСа и ГМПИ имени М.М.Ипполитова-Иванова осуществляется при поддержке Министерства Культуры РФ и посвящен 155-летию выдающегося музыканта, композитора, педагога и общественного деятеля Михаила Михайловича Ипполитова-Иванова (1859-1935).

Художественный руководитель Дмитрий Бертман, режиссер – Сергей Терехов. Художественный руководитель оркестра Валерий Ворона, дирижер Сергей Михеев.
Подробнее…

Инструментальный оркестр

Этот вид оркестра отличается по своей форме тем, что в нем нет четкого количества музыкальных инструментов определенных групп. А также он может исполнять любую музыку (в отличие от симфонического оркестра, который исполняет исключительно классическую).

Конкретных видов инструментальных оркестров нет, но условно к ним можно отнести эстрадный оркестр, а также оркестр, исполняющий классику в современной обработке.

Согласно исторической справке, инструментальная музыка начала активно развиваться в России только при Петре Первом. Она, конечно, имела на себе западное влияние, но зато она уже не была под таким запретом, как в более ранние времена. А раньше доходило до такого, что запрещали не то что играть, а сжигали музыкальные инструменты. Церковь считала, что в них нет ни души, ни сердца, а потому они не могут прославлять Бога. И потому инструментальная музыка развивалась преимущественно среди простого народа.

Играют в инструментальном оркестре на флейте, лире, кифаре, свирели, трубе, гобое, бубне, тромбоне, дудке, сопелке и других музыкальных инструментах.

Наиболее популярный инструментальный оркестр XX века — это оркестр Поля Мориа.

Он был его дирижером, руководителем, аранжировщиком. Его оркестр сыграл очень много популярных музыкальных произведений XX века, а также собственного сочинения.

Вайнберг

Шостакович – Гликману: 1 февраля 1969 г. Москва.

Если в Ленинграде будет гастролировать оркестр Баршая и если в его программе будут Десятая симфония Вайнберга, симфониетта Б. Чайковского, обязательно пойди послушать. Это удивительно прекрасные произведения. Вообще, этих композиторов держи в черте своего внимания.

Моисей Вайнберг и Рудольф БаршайФото: barshaimemorial.com

Сотрудничество МКО Баршая с Моисеем Самуиловичем Вайнбергом было долгим и интенсивным. На одной из репетиций Четырнадцатой симфонии Шостакович в чем-то засомневался и поинтересовался мнением у присутствовавшего Вайнберга. Моисей Самуилович подошел к роялю и сыграл по памяти нужный эпизод, чем привел в восторг весь оркестр. Пианист он был превосходный. Исполнял с Шостаковичем в четыре руки его новые произведения, а когда Дмитрий Дмит­риевич уже не мог, играл с Борисом Чайковским. Шостакович посвятил Вайнбергу Десятый квартет.

В 1970 году МКО Баршая готовил авторский вечер Вайнберга к его 50-летию. С композитором за роялем мы просмотрели произведения-кандидаты, и Рудольф Борисович остановился на Симфониетте № 2, Фантазии для виолончели и двух симфониях — № 7 и № 10. На первой репетиции партию клаве­сина в Седьмой симфонии Моисей Самуи­лович сыграл наизусть. Десятая посвящена Московскому камерному оркестру. Баршай отмечал, что когда Вайнберг использовал еврейские или польские интонации, его музыка обретала как бы второе дыхание и дополнительную силу воздействия.

23 февраля 1970 года в Малом зале консерватории состоялся авторский вечер Вайн­берга. Каденцию скрипки в Десятой симфонии, по своему содержанию и сложности сравнимую с лучшими каденциями скрипичных концертов ХХ века, великолепно исполнил Е. Смирнов. Вот мнение Баршая о нем:

«Второго такого дарования, как наш концертмейстер Евгений Смирнов, я больше не встретил никогда в целом мире, где бы ни дирижировал. Я не знаю равного исполнителя “Времен года” Вивальди. Известный парижский критик Бернар Гавоти написал: “Много я знаю исполнений Вивальди, но никогда не слышал такого поэта скрипки, какЕвгений Смирнов”»8.

Камерный оркестр сегодня

На сегодняшний день, даже после упразднения многих камерных коллективов, практически у каждого государства имеется свой камерный оркестр. В России такой коллектив называется «Виртуозы Москвы», он часто проявляет себя при государственных празднованиях и при выездах за границу.

Камерная музыка оставила огромный след в творчестве многих современных композиторов и исполнителей.

Отличным примером показывает себя рок-группа из Финляндии Apocalyptica. Эти музыканты играют по сути камерную музыку, соблюдая все традиции камерного оркестра: коллектив из 4 человек, трое из которых играют только на струнных. Огромную популярность приобрели из-за переигрывания известных композиций самых ярких метал-команд, в число которых входят Metallica, Rammstein, Slipknot и другие.

Стилистика оркестра[править]

Железный занавес 60х годов XX века не позволял гражданам СССР углубиться в изучение аутентичной музыки. На начальном этапе оркестр брал образцы исполнения музыкальных произведений из редкой, передающейся из рук в руки музыкальной литературы и партитур, привезенных учеными, побывавшими на заграничных симпозиумах и выставках. Ввоз подобной литературы на территорию СССР был затруднителен. Музыканты оркестра по крупицам собирали информацию о правилах классицизма и барокко, из рук в руки передавали навыки музыкальной артикуляции, совершенствуя процесс исполнения, раскрывая суть исполнения старинной музыки, воссоздавая звучание музыки прошлого, и интерпретируя ви́дение того, как играли музыку в эпоху барокко. Одну из значимых ролей в исполнении старинной музыки играет использование старинных или исторических инструментов: виолы да гамба, барочной скрипки, виуэлы, продольной флейты. Такие музыкальные инструменты, изготовленные современными мастерами по старинным чертежам и описаниям в трактатах, несмотря на их недостатки воссоздают специфический аутентичный звук. Музыканты искали таких мастеров и наполняли оркестр аутентичными инструментами. С 1989 года оркестр применяет жильные струны, начинает использование барочных (лукообразных) смычков, понижает строй до Ля первой октавы = 415 Гц. Большой вклад в развитие оркестра внес Дмитрий Голдобин (клавесин), который в 1990-1991х годах консультировал оркестр. Под его руководством были исполнены произведения таких композиторов как: Г.Муффат, И.Э. Киндерманн, У.Лоус, Э.Холборн. С 1990г. оркестр исполняет произведения без дирижера.

Камерная музыка

Как только музыка вышла за пределы церкви, сразу же возникло большое количество новых музыкальных жанров. Музыка сопровождала ее любителей по жизни, она звучала не только в театре или на концерте, но и во время прогулки, охоты, пира и так далее. В XVIII веке очень популярным были увеселительные прогулки на небольших кораблях — ботах. Отсюда появился необычный музыкальный жанр – «музыка на воде». В теплую и солнечную погоду музыка звучала в парках, так появилась пленэрная музыка. Но наибольшее распространение получила камерная музыка, при исполнении которой участвовало небольшое количество музыкантов. Слово camera латинского происхождения и переводится как «комната, палата». Каждая партия камерного сочинения исполняется одним инструментом

В XVIII—XIX вв. камерная музыка звучит везде, в гостиных, салонах, небольших концертных залах. При императорских дворах даже существовали должности – камер-музыкантов. Со временем изменились социальные условия, однако, камерная музыка звучит и по сей день.

Как правило, камерное музицирование предполагает атмосферу, где слушатели и исполнители расположены близко относительно друг друга. В камерной музыке исполнители могут лично знать слушателей, прекрасно видят их, играют и исполняют музыку для конкретных людей.

Такая атмосфера придает свои особенности этой музыке, она проникается к слушателям своей тонкостью, изысканностью и доверительностью. Камерная музыка предназначена для узкого круга людей.

Камерная музыка глубоко проникает во внутренний мир человека, слушая такую музыку, человеку кажется, что она написана специально для него, возникает ощущение комфорта, стабильности, на душе становится тепло и уютно, вся мирская суета куда-то исчезает.

Различают множество форм и жанров камерной музыки. Сюда можно отнести сонаты, дуэты, трио, квартеты и так далее, всевозможные миниатюры, романсы. Концерты, кантаты, сюиты также могут быть камерной музыкой. А в XX веке стали проявлять произведения, которые так и назывались «камерная музыка».

Эта музыка может быть сочинена в различном стиле. Главная особенность этой музыки заключается в том, что она рассчитана на малое количество музыкантов.

Исполнители камерной музыки образуют камерный ансамбль в количестве от 2 до 10 человек.

Сегодня даже существуют камерные оркестры, как правило, это небольшой состав – 15 – 20 человек, струнного оркестра с добавление духовых инструментов.

Наиболее известными исполнителями камерной музыки являются Сергей Васильевич Рахманинов, Людвиг ван Бетховен, Иоганнес Брамс, Жорж Бизе, Иоганн Себастьян Бах.

Сегодня камерная музыка очень разная. Она может быть вокальной, сольной, инструментальной, ансамблевой, смешанной, оркестровой, хоровой и даже театральной. Поэтому многие музыкальные коллективы получают названия камерный. Например, камерный хор, камерный оркестр, музыкальный камерный театр и другие. Их выступление может проходить как в малых концертных залах, так и больших.

Эстеты, ценители или просто любители прекрасного обретут в камерной музыке душевное спокойствие и умиротворение.

Смотрите другие статьи этого раздела:

• «Весёлое кладбище»
• Queen
• А ты танцуешь буги-вуги?
• Антонио Вивальди. Венецианский скрипач
• Армянский танец «Кочари»
• Варган — инструмент единения с миром
• Венская опера
• Воздействие музыки на человека
• Выбираем музыкальный инструмент для ребёнка
• Застывшие узоры русского севера
• Звуковой образ в музыкальных фонограммах
• Игорь Фёдорович Стравинский и его балет «Петрушка»
• Инструменты барочного оркестра
• Искусство быть оратором.
• История создания музыкального синтезатора
• История театра «Ла Скала»
• Как выбрать качественную акустическую систему, зная необходимые критерии выбора?
• Как вырастить гения
• Камерная музыка
• Карлхайнц Штокхаузен и гностицизм
• Колядки
• Лезгинка
• Магия музыки
• Магия фламенко
• Музыкальное развитие ребёнка
• Музыкальное развитие
• Мюзикл
• Обзор инструментов виртуальной музыкальной студии Reason 5
• Польза колыбельных песен
• Проект »R4» в Париже
• Развитие музыкальных способностей
• Развитие творческого потенциала педагога
• Роль музыки в кинематографе
• Румба
• Русская классическая музыка XVIII века
• Самоучитель игры на гитаре
• Свет на сцене
• Светлый праздник Рождества!
• Светомузыка
• Синтезатор или цифровое пианино? Выбираем музыкальный инструмент.
• Сказочная музыка
• Советы для начинающих гитаристов
• Современный танец
• Специфика балетного искусства
• Струны. Как часто их менять?
• Танго
• Танец живота
• Танцы Индии
• Топ-10 самых дорогих видов музыкальных инструментов в мире
• Успешный ребёнок
• Хип-хоп (hip-hop)
• Хиропласт
• ЧА-ЧА-ЧА
• Шотландская волынка
• Электронная музыка конца 20-го века

Формирование камерного оркестра в творчестве А. Корелли

В конце XVII века мысль ученых устремилась к познанию человеческого существования между бесконечно малым и бесконечно великим; «… барокко впервые услышало музыку в пространстве и пространство — в музыке», — отмечает М. Лобанова в своей монографии «Музыкальный стиль и жанр: история и современность» /123, с. 61/. Сюжетообразующим стало представление о ближнем и дальнем планах, реальном и иллюзорном пространствах. Осознание пространственности во многом повлияло на музыкально-композиционные решения, среди которых наиболее значительными были:

размещение в разных участках концертного пространства (в залах, соборах, на открытых площадках) групп солистов, хора, оркестра, их звуковое сопоставление и слияние;

контраст f и р, выражавший пространственную отдаленность;

тембровая дифференциация звучания, символизирующая разнородность пространства.

Время осмысливалось в сопоставлении вечного и преходящего; течение времени — как последовательность неуловимо текущих мгновений. В музыкальных произведениях время отображалось посредством сопоставления темпов, находящихся в антиномичном контрасте.

Одним из символов осознания времени была мысль о том, что бог, подобно часовщику, заводит и корректирует универсум. Мыслители открыли понятие движения в искусстве, в том числе и в музыке — «движение человеческой души». «Может быть, барокко именно поэтому испытывает такую приязнь к фуге, что эта форма прямо связана с движением, бегом» /123, с. 62/.

Осознание движения человеческой души обогатило фантазию художников представлением двух планов — реального и воображаемого. Совмещение этих планов привело к мысли, что мир — театр. «Музыкант может изображать этот мировой театр, подражать драме, которой управляет вседержатель. Но если земной музыкант… подражает богу, то бог — не более, чем актер» /123, с. 63/. Возможно, поэтому композиторы барокко, создавая культовую музыку, столь смело расширяли арсенал выразительных средств.

В целом осмысление в музыке пространства и времени стало комплексным воплощением принципа контрастности, что повлекло поиск емких, наиболее подходящих для его отражения форм — циклических. Прообразом циклических форм было исполнение музыки крупными по тому времени составами в торжественных богослужениях в Италии, затем -в публичных концертах в Англии, где исполнители уже дифференцировались на группы солистов и сопровождения, раздельно размещались в концертном пространстве и контрастировали звуковой массой и тембром.

В инструментальной музыке комплексное воплощение принципа контрастности с наибольшей полнотой проявилось в жанре concerto grosso, на фоне характерной для позднего барокко тенденции к устойчивости форм и исполнительских аппаратов, прежде всего в очерчивании двух контрастных по массиву звучания групп: concertino и ripieno.

Жанр Concerto grosso развивался в творчестве Страделлы (1644-1682), Торелли (1658-1709) — известны его 12 Concerti grossi con una pastorale per il santissimo Natale, Op. 8, опубликованные в 1709 году, других композиторов, но наибольшего расцвета достиг в творчестве Корелли1. Т. Ливанова предполагает, что Корелли начал работу над Concerti grossi примерно в 1680 году /120/. Изданы же были его 12 Concerti grossi в 1714 году, посмертно.

Тенденция к устойчивости проявляется у Корелли в едином для всего цикла, но обновленном инструментальном составе. В группу concertino вошла виолончель вместо смычкового баса, в группу ripieno — альт. Благодаря этому звучание ансамбля обрело яркость и тембровое единство.

В отличие от concerti grossi Торелли и Альбиони, представляющих собой цикл медленно — быстро — медленно — быстро в кореллиевских 12 concerti grossi разное количество частей и разделов в них. В основном, сопоставляется игра concertino и tutti. Здесь почти нет выступлений ripieno. Композитор пользуется максимально контрастными звуковыми массами. Одновременно применяет темповые, фактурные, ритмические контрасты. Это свидетельствует о последовательном поиске музыкально-композиционных решений, воплощающих осознание времени и пространства.