Автор и идейно-смысловая сторона искусства

Кинетическое искусство

От гр. kinetikos — приводящий в движение. Направление в современном искусстве, связанное с широким применением движущихся конструкций и других элементов динамики. Кинетизм как самостоятельное направление оформился во второй половине 1950-х годов, однако ему предшествовали опыты создания динамической пластики в русском конструктивизме (В. Татлин, К. Мельников, А. Родченко), дадаизме.

Раньше народное искусство также демонстрировало нам образцы движущихся объектов и игрушек, например деревянные птицы счастья из Архангельской области, механические игрушки, имитирующие трудовые процессы, из села Богородское и др.

В кинетическом искусстве движение вводится по-разному некоторые произведения динамически преобразуются самим зрителем, другие — колебаниями воздушной среды, а третьи приводятся в движение мотором или электромагнитными силами. Бесконечно разнообразие используемых материалов — от традиционных до сверхсовременных технических средств, вплоть до компьютеров и лазеров. Часто в кинетических композициях применяют зеркала.

Во многих случаях иллюзия движения создается меняющимся освещением — здесь кинетизм смыкается с оп-артом. Приемы кинетизма широко используются при организации выставок, ярмарок, дискотек, в оформлении площадей, парков, общественных интерьеров.

Кинетизм стремится к синтезу искусств: движение объекта в пространстве может дополняться эффектами освещения, звуком, светомузыкой, кинофильмом и др.
Приемы современного (авангардистского) искусства

«Чертеж мира»: Пит Мондриан

Нидерландский художник-абстракционист Пит (Питер Корнелис) Мондриан (1872–1944) вместе с группой единомышленников основал журнал «Стиль», где провозгласил основной принцип нового направления: создание образа мира с помощью разноцветных прямоугольников, отделенных друг от друга черной линией.

По мнению Мондриана, именно таким образом, с помощью «чистой пластики», можно было создать «чистую реальность». В результате этих экспериментов появилось множество похожих друг на друга абстрактных композиций, которые художник обозначал буквами или просто нумеровал по порядку.

Позже его идеи использовали в своих работах итальянские художники-конкретисты — представители так называемого конкретного искусства: их очень вдохновило утверждение Мондриана, что конкретны лишь линия, цвет и плоскость. Из этих трех элементов их картины и состояли.

Пит Мондриан «Композиция в овале с цветными плоскостями I» (1914). Работы Мондриана оказали влияние на творчество Ива Сен-Лорана

Особенности понимании искусства в русской философии

Особенность русской философия, занимавшейся проблемами искусства, в том, что она представлена религиозными мыслителями. Художественное творчество исследовалось через призму христианской традиции, для которой были характерны такие черты, как анонимность искусства эпохи Средневековья.

Религиозными философами считаются Павел Флоренский, Николай Бердяев и Владимир Соловьев, последний из которых посвятил много лет созданию русской эстетики. Под ней он понимает идеальное содержание, заключенное в чувственные формы. А идеальное содержание здесь – правильное понимание добра и зла.

При этом подразумевается, что, если шедевр подлинный, то он не только отражает идею, но и действительно содержит ее в себе. Духовная сущность материализуется в нем, одухотворяя его. Таким образом, творчество наделяется поистине высоким статусом.

Бердяев писал о том, что творческую способность человек мог получить только от самого Бога. За счет этого дара он относится не к относительным, а к абсолютным существам.

В советский период к искусств подходили с гносеологической точки зрения. Российская современная философия искусства, напротив, использует множество подходов для изучения художественного творчества.

Человек изучает мир различными способами, один из которых – искусство. Оно содержит не только его личное видение картины мира, но и идейно-эмоциональный смысл. Человек передает через работы личные эстетические переживания, взывая не только к чувственной стороне людей, но и к интеллектуальной и духовной. Напряженную духовную жизнь философы считают истинной.

Философия искусства в средние века

Информацию о понимании термина «искусство» часто можно найти в трудах философов. Это верно и для периода Средневековья.

В средние века творчество понимается, как во времена античности – как изучение правил, которые ведут к созданию вещей. В эпоху Средневековья у философов и у деятелей искусства не было даже сомнения в том, что сами правила уже существуют и необходимо только освоить механизм, чтобы создавать шедевры. Художник приравнивался к строителю, ремесленнику или ритору, которым достаточно было хорошо овладеть делом, чтобы исполнять его легко.

Теория создания шедевров отождествлялась с теорией ремесла. Деятели искусства же создавали предметы, которые дополняли или исправляли представления людей о чем-то или улучшали то, что уже было рождено самой природой. В это время люди еще не осознавали такую цель искусства, как доставление эстетического наслаждения.

Очень часто оно принимало религиозную или символическую формы. Художники работали на церкви, храмы и мечети. Несмотря на существование светского искусства, направленного на развлечение высшего класса общества, оно не было определяющим для эпохи. Жизнь людей во многом направлялась и управлялась религией, которая накладывала отпечаток и на характер искусства. Так, оно использовало символы и аллегории, потому что большинство мировых религий говорили, что земные вещи не могут в полной мере отобразить небесное. Некоторые религии – например, ислам – запрещали использовать изображения людей.

Средневековое искусство включает в себя не только официальные религиозные идеи, переданные художественными средствами, но и мифологию, поэзию, народное творчество. В целом оно во многих государствах в средние века развивалось большими темпами. Самый большой расцвет оно переживало в Китае, Индии и некоторых европейских странах. При этом на разных континентах оно выглядело по-разному: например, для Византии были характерны отказ от земного и аскетизм, а для Индии – богатство чувственных образов, красочность и спонтанность.

Монументальная архитектура отражает высшие достижения средневекового искусства. Мечети в арабских странах, храмы Византии, европейские сооружения в готическом и романском стилях, индийские храмы – все это сегодня считают жемчужинами мировой художественной культуры.

Необходимо сделать акцент и на литературном творчестве, потому что в Средневековье оно уже было разделено на жанры, течения и направления. К литературе относились сказания и легенды, исторические хроники (воплотившиеся, например, в рыцарских романах), церковные писания, поэзия.

В это же время особенное внимание уделяется театральному искусству, которое переполняется мистикой, драмой и описанием страстей в жизни людей. Музыка в те времена воспринималась как научное познание, она была поделена на «человеческую» и «мировую»

Первая делилась на теоретическую и практическую. При этом теоретическая была воплощением философии математики. Еще античные философы стремились разгадать тайны музыки через математические формулы. Среди популярных философов этого времени: Лессинг, Гегель, Шопенгауэр, Хайдеггер

Музыка в те времена воспринималась как научное познание, она была поделена на «человеческую» и «мировую». Первая делилась на теоретическую и практическую. При этом теоретическая была воплощением философии математики. Еще античные философы стремились разгадать тайны музыки через математические формулы. Среди популярных философов этого времени: Лессинг, Гегель, Шопенгауэр, Хайдеггер.

Философию искусства средних веков можно охарактеризовать словами Августина, обращенными к верующим людям: «Не блуждай вне, но войди вовнутрь себя». Это значит, что человек начал попытки обращаться к своему внутреннему миру, исследованию эмоциональной жизни других людей. При этом господствовала над всем синтезом видов средневекового искусства архитектурное.

Начало абстракционизма. Василий Кандинский

Одним из основоположников абстракционизма считают выдающегося русского живописца Василия Кандинского (1866–1944). К этому стилю художник пришел еще в начале 1910-х годов в результате долгих творческих и духовных исканий.

Василий Кандинский «Точки» (1920). Художник разработал концепцию «ритмического» использования цвета

Он обращался к экспрессионизму, интересовался синтезом цвета и музыки и даже написал книгу «О духовном в искусстве», где много рассуждал о важности познания не внешней формы, а внутреннего содержания вещей. В результате этих размышлений художник отказался от изображения реальных объектов и решил, что гораздо важнее язык ассоциации

Многое Кандинский взял и от символистов: к этому стилю, в частности, восходит его понимание черного как символа смерти, белого — как рождения, красного — как мужества. Горизонтальная линия на его абстрактных полотнах означает пассивность, вертикальная — напротив, активное начало.

Современное искусство: Гиперреализм (фотореализм)

Данный вид творчества зародился в США в 70х годах и до сих пор находит свое отражение в современном искусстве. Фотореализм и сегодня отражается в живописи и скульптуре западных стран. Цель данного направления заключается в отображении окружающего нас мира в сверхреальном видении. Примером фотореализма могут стать отраженные на стекле или полированной поверхности машин улицы, магазины, жилые здания. В выставочных залах гиперреализм позволил выставлять полимерные человеческие фигуры, практически не отличающиеся по внешнему виду от живых людей. Фотореализм в условиях технического прогресса стремится усилить восприятие обыденной современности, скрывая при этом чувства автора.

Современное искусство: Модернизм

Данное направление искусства стало собирательным, так как охватило новые тенденции мастеров, объявивших разрыв с реальностью изображений и красотой их форм. Современная эпоха модернизма отображает знаки и формы, не созвучные со зрительной ассоциацией. Идеология этого направления сводится к охлаждению интереса к «вечным истинам». Модернизм допускает столько истин, сколько существует взглядов. При этом каждая эпоха вправе иметь свое «видение истины» и иметь свою уникальную «душу». Содержание в поэзии модернизма перестроилось на акустический контакт, в музыке стали приветствоваться атональные созвучия и разного рода шумы. Разновидностью модернизма можно считать фовизм, гиперреализм, кубизм, дадизм, футуризм. Советскими искусствоведами это направление было оценено как кризис буржуазной культуры. Сегодня же модернизм рассматривают как новое перспективное веяние, которому западные страны дали полную свободу для реализации.

Художественная концепция

Присутствующая в произведениях концепция автора (художественная идея) включает в себя и направленную оценку и интерпретацию автором каких-либо определенных жизненных явлений, что подчеркивалось просветителя от Лессинга и Дидро до Чернышевского и Белинского, и воплощение философского взгляда на мир в его единстве и целостности, сопряженное с духовным самораскрытие автора, о чем говорили теоретики романтизма.

Выражаемая в произведении мысль всегда имеет эмоциональную окраску. Художественная идея является своего рода сплавом чувств и обобщений, который В. Г. Белинский вслед за Гегелем в своей пятой статье о Пушкине назвал пафосом. Пафосом он назвал страсть, разжигаемая в душе человека на идею. Именно это отличает искусство от науки и делает его близким с публицистикой, мемуарами, эссеистикой, а также с насквозь оценочным повседневным постижением жизни. специфика собственно художественных идей состоит не в их эмоциональности, а в направленности их на мир в его эстетической явленности, на воспринимаемые чувственно формы жизни.

Замечание 1

Художественные концепции отличаются от философских, научных, публицистических обобщений их ролью и местом в духовной жизни человечества.

Часто обобщения писателей, художников предваряют позднейшее миропонимание. Шеллинг утверждал, что наука только приходит к тому, что уже доступно искусству. Ал. Григорьев говорил, что все новое воплощается в жизнь только искусством, которое воплощает в своих творениях то, что незримо присутствует в воздухе эпохи, оно заранее предчувствует приближающееся будущее.

Такая мысль восходит к эстетике романтизма. М. М. Бахтин обосновал ее следующим образом: литература часто предвосхищала этические и философские идеологемы. Художник обладает чутким ухом к зарождающимся проблемам. Ученый писал, что художник их слышит и чувствует часто лучше, чем философ или практик, «осторожный человек науки». Становление этической воли, мысли и чувства, их «ощупывание» действительности, «брожение» в глубинах общественной психологии – этот поток зарождающейся идеологии находит отражение и преломляется в содержании словесно-художественных произведений.

То есть художник выполняет роль пророка и предвестника. Такая его роль, в частности, осуществляется в социально-исторических концепциях трагедии А. С. Пушкина «Борис Годунов» и в романе Л. Н. Толстого «Война и мир», а также в рассказах и повестях Ф. Кафки, который заговорил об ужасах тоталитарного строя еще до того момента, как он упрочился, и во многих других художественных произведениях.

Одновременно с этим в искусстве, в первую очередь, в словесном, достаточно широко запечатлеваются концепции, идеи, истины, которые уже упрочились в общественном опыте. В данном случае художник выполняет роль рупора традиции, а его искусство подтверждает уже известное, придавая ему остроту, новую убедительность, оживляя его. Произведение, имеющее подобную содержательную наполненность волнующе и проникновенно напоминает людям о том, что являясь уже привычным и само собой разумеющимся, оказалось стертым в сознании,

Таким образом, искусство проявляет значительный интерес и к тому, что уже издавна укоренилось в общественном сознании, и к тому, что с собой принесла новая эпоха.

Полная свобода!

Направление искусства, названное абстракционизмом (от лат. abstractio — отвлечение, удаление), предполагает полный отказ от реалистичного изображения действительности. При этом чувства, мысли и идеи выражаются через сочетания цветов и различных геометрических фигур, линий, пятен.

Легко представить типичный диалог посетителей «абстракционистской» выставки: — Ну и что все это означает — все эти пятнышки и черточки? — Да как же ты не понимаешь! Художник хочет нам сказать, что…

Абстракционизм словно предлагает зрителю самому дописать картину, разглядев за ее символикой авторскую идею. А поскольку ничего похожего на реальность на картинах абстракционистов не изображено, смысл приходится отыскивать через ассоциации.

Таким образом, художник обретает полную свободу: его фантазию не ограничивает ничего, кроме собственного вкуса, чувства цвета и соразмерности. Но такая же свобода интерпретации дана и зрителю: каждый человек может увидеть на картине этого жанра что-то свое…

Философия искусства в XX веке

XX век примечателен в истории философии искусства тем, что начали применяться такие подходы к ее изучению и восприятию:

• психологический;
• социологический;
• мифологический;
• политический и другие.

Кроме того, именно в эту эпоху искусство становится автономным эстетическим феноменом, имеющим направленность на доставление удовольствия и наслаждения наблюдателям или слушателям. Некоторые философы того времени пришли к выводу, что предметы искусства являются олицетворением чувств, полета воображения художника, за счет чего им свойственна первобытная наивность.

При этом в XX веке оно по-прежнему не отражает реальный внешний вид вещей, которые оно изображает. Оно не морализирует и не стремится соответствовать категоричным правилам или канонам. Эстетическая реальность никак не зависит от внешней. Поэтому исчезает стремление основываться на подражании и все дальше отходит от того, чтобы быть актом познания мира, и становится актом творчества.

Если эпоха Возрождения характеризовалась тем, что живописцы были зеркалами, отражавшими внешний мир, то XX век создает новую, оригинальную реальность, которая может отражать разве что внутренний мир творца.

У произошедшего есть положительная и отрицательная стороны. К первой можно отнести тот факт, что серьезное искусство все больше и больше становится интересным только искушенным знатокам, в то время как большинство людей предпочитает прибегать к искусству как развлечению. Поэтому философы называют это время также «эпохой забвения бытия». Философ Джозеф Кошут даже кратко высказался о том, что оно заменило философское мышление.

Современное искусство: Поп-арт

Впервые термин «поп-арт» (то есть общедоступное искусство) был зафиксирован литературоведом и критиком Л. Элоуэем в 1965 году. Направление зародилось в Англии и США с целью замены абстракционизма на более понятный широким массам реализм. В нем стали изображаться реальные вещи, муляжи и копии. Направление поп-арт эстетизирует вещь для массового потребления, изображает ее как мечту потребителя. Ярким примером данного стиля является творчество Р. Гамильтона, в котором художник красоту предмета заменяет ее полезностью, а духовные стремления замещает материальными потребностями. Существуют разные виды поп-искусства, однако смысл у всех его видов одинаковый — его можно сравнить с рекламой товара, когда показывается старая вещь, подлежащая замене на новую. Данный вид искусства рассчитан на человека-потребителя, воспитанного СМИ и ориентированного на рекламу.

Сущность философии и искусства

Если переводить термин «философия» дословно, то он означает «любовь к мудрости». Однако если раскрывать суть понятия, то становится понятным, что предметом науки является мышление как главное отличие человека от животных. Философствование идет еще дальше и превращает человеческое мышление в способ, которым можно познавать мир.

Главная цель философии – постижение всего сущего. Она постигает эпоху через мышление, становясь тождественной ей. При этом, не поднимаясь выше своего времени по содержанию, она возвышается над ним по форме, рассказывая об идеальной сущности предметов и явлений.

Если философия узнает мир посредством мыслительной деятельности, то творчество делает это через художественные образы. В этом – их отличие. Оно не имеет никакого отношения к тому, что создали природа или технический прогресс, но основывается на чувстве прекрасного и красоты, оно глубоко субъективно.

Значение искусства в жизни человека велико. Оно выполняет множество функций:

• воспитательную, помогая сформировать представления о нравственности;
• познавательную, выступая источником информации о внешнем и внутреннем мире;
• социальную, призывая людей к общению и взаимодействию;
• эстетическую через формирование представлений о прекрасном;
• гедонистическую, позволяя человеку наслаждаться, любуясь произведениями искусства;
• развлекательную и другие.

Несмотря на то, что философия и искусство показывают мир и человека с его эмоциональными переживаниями с разных точек зрения и разными методами, в них много общего.

Понятие идеи

Автор представляет собой, прежде всего, носителя какого-либо представления о реальности. Именно этим определяется принципиальная значимость в составе искусства идейно-смысловой стороны, которая на протяжении 19-20 вв. часто называли «идей».

Слово «идея» укоренилось в философии еще с эпохи античности. Это понятие имеет два значения:

• Идея – это умопостигаемая сущность предметов, находящаяся за пределами материального бытия, по Гегелю – синтез объекта и понятия, по Платону – прообраз вещи.
• Идеи, связанные со сферой субъективного опыта.

Мыслители в течении последних трех столетий стали связывать идеи с познанием бытия, со сферой субъективного опыта. Например, Дж. Локк, английский философ конца 17 – начала 18 вв. в своей работе «Опыт о человеческом разуме» различает идеи смутные и ясные, фантастические и реальные, неадекватные своим прообразам и адекватные, несообразные и сообразные с действительностью. В этом случае идея понимается как достояние человеческого сознания, а не объективного бытия.

Слово «идея» применительно к искусству применяется в обоих значениях. В эстетике Гегеля и теориях, ее наследующих, художественная идея совпадает с той категорией, которая называется темой. То есть это бытийная сущность, постигнутая творцом произведения и запечатленная им. Однако чаще об идее в искусстве в 19 и 20 вв. говорилось как о сфере авторской субъективности, о комплексе мыслей и чувств создателя произведения, выраженном в нем.

Субъективная направленность литературно-художественных произведений вызвала интерес в 18 веке. Эстетике рационалистического Просвещения характерен тезис главенствующей роли мысли, идеи в произведениях искусства. В ту пору творец художественного произведения осознавался не просто как «подражатель» природе, как мастер и не в качестве только пассивного наблюдателя каких-либо умопостигаемых сущностей, а как выразитель определенного круга мыслей и чувств.

Согласно Ф. Шиллеру, в искусстве содержательность или пустота зависят в большей степени от субъекта, чем от объекта. Сила поэзии заключается в том, что здесь предмет ставится в связь с идеей. На рубеже 18-19 веков автор предстает в качестве определенной точки зрения, определенной позиции. Вслед за И. Кантом, который ввел термин «эстетическая идея», художественная сфера стала обозначаться термином идея. В этом же значении использовались и понятия «концепция» и «поэтический дух». Согласно Гете, в любом произведении искусства все сводится к концепции.

Сходства философии и искусства

Философия вырастает на основе принципов, которые отражают глубинные основания деятельности. Искусство, в отличие от нее, имеет в основании остенсивные формы культуры, основанные на демонстрации культурного содержания. Создавая предметы искусства или любуясь ими, человек сливается с миром, который те изображают. Философия, напротив, заставляет человека заниматься рефлексией и подвергать критике тот мир, который он видит.

При этом между двумя данными культурологическими сферами – прочная связь. Они имеют в своем фундаменте общую культуру и в процессе развития проникают друг в друга. Так, творчество поднимает философские проблемы, а философия превращается в искусство.

В произведениях обеих этих сфер культуры есть ярко выраженный высокая степень индивидуальности, отражение эмоционально-личностного компонента автора. Но, если в произведениях деятелей искусства проблемы выражаются в художественных, изобразительных образах, то у философов они принимают вид абстрактных понятий, освоить которые может только обладатель тонкого ума – через разум, а не органы зрения, слуха или осязания. Однако благодаря философии и творчеству, когда они объединяются, складывается наиболее полная картина мира.

Сходств у них много, к ним можно причислить:

стремление основываться на интуиции – через чувственное восприятие в искусстве и интеллектуальное – в философии;
осознание важности целостности человеческой личности и мира, в искусстве под такой целостностью понимается красота в широком смысле слова, в философии – бытие;
ключевая фигура всегда – человек с богатством его внутреннего мира, противоречиями и мыслями.

Можно отметить и то, что отличает две эти культурные сферы:

• методы передачи информации: в искусстве это – язык образов, а в философии – метод рассуждения;
• философия концептуальна, творчество – образно;
• художеству свойственна спонтанность, а философии – использование одних и тех же оснований, или понятий. Философия более последовательна.

Таким образом, очевидно, что для искусства в приоритете эмоциональный уровень и художественность, а для философии – наличие строгих и точных категорий, позволяющих рассматривать ее в качестве науки.

Тайный смысл «черного квадрата». Абстракционизм в СССР

Казимир Малевич (1878–1935) шагнул дальше абстракционистов Кандинского и Мондриана. Пройдя через период увлечения импрессионизмом и кубизмом, в 1915 году он создал свою собственную систему абстрактной живописи и дал ей название супрематизм (от фр. supreme — высший).

Главным произведением супрематизма был объявлен знаменитый «Черный квадрат». По мнению художника, этот обычный черный квадрат на белом фоне являлся «супрематической клеткой», или, другими словами, базовой формой для любой абстракции. В своих статьях Малевич категорично утверждал, что классический подход к изобразительному искусству давно изжил себя. Тем не менее в начале 1930-х годов художник вернулся к реалистичной живописи.

Но вот парадокс: кто помнит его «обычные» полотна? А о «Черном квадрате» знают все. Возможно, в идее базовой формы что-то есть… даже если это была просто шутка художника.

Казимир Малевич «Письменный стол и комната» (1913). «Интуитивная форма должна выйти из ничего» (К. Малевич)

В 1920-е годы под давлением государственной идеологии все авангардные направления в советском искусстве постепенно были свернуты.

Абстракционизм вернулся в СССР лишь в 1950-х годах, в период так называемой хрущевской оттепели. Е. Михнов-Войтенко, Л. Грибков, В. Преображенская, Ю. Злотников — вот лишь несколько отечественных художников того времени, работавших в этом стиле.

Абстракционизм как направление живописи не исчерпал себя и по сию пору.

Поделиться ссылкой